Memoria del programa

Miércoles 10 de Julio

9:00 — 10:00 h AULA MAGNA SAN IGNACIO DE LOYOLA

Inauguración

Mtro. David Fernández Dávalos, S.J. Rector de la Universidad Iberoamericana Ciudad de México-Tijuana

Mtra. Sylvia Irene Schmelkes del Valle. Vicerrectora académica de la Universidad Iberoamericana Ciudad de México-Tijuana

Dr. Luis Javier Cuesta Hernández, Director de la División de Humanidades y Comunicación

Dra. Luisa Durán y Casahonda Torack, Coordinadora de Arte y Educación, Departamento de Arte

Mtro. Sidiney Peterson Ferreira de Lima, Instituto de Artes, Universidad Estadual Paulista UNESP

Conferencia magistral

(De)colonizar la mirada. Análisis desde las artes (audio)visuales y su educación 

10:00—11:00 h aula magna san ignacio de loyola

Dr. Carlos Escaño, Universidad de Sevilla.

Walter Mignolo dejaba explícito que no podremos desprendernos de la colonialidad del poder si no sabemos cómo funciona. Los diferentes poderes (políticos) coloniales encuentran en la acción artística, mediática y estética un gran aliado para la construcción de la interfaz que media el pensamiento y la praxis social: la mirada. La colonización de la mirada supone un ejercicio de poder sutil e intenso, menos visible que la maquinaria bélica, pero posiblemente más eficaz en los contextos postdigitales que habitamos. La producción de imágenes generadas y organizadas a través de tal interfaz supone el principal hecho en la construcción de la mirada personal y colectiva, la cual depende de nuestra superestructura ideológica, de la política de generación de imágenes, así como de la usabilidad de los dispositivos que la genera. Ante la responsabilidad de producción y uso iconográfico e iconológico no todos mantenemos la misma implicación y responsabilidad: unos mantienen y detentan el poder, hegemónico y colonizador, y otros procuran un contrapoder (decolonizador): algunos construyen miradas; otros, a partir del conocimiento de cómo funciona esa construcción y la práctica de una pedagogía crítica, pretenden una deconstrucción para poder implementar las bases de su reconstrucción icónica.

Mesa 1: Investigar y escribir sobre arte y arte/educación: emergencias contemporáneas

11:30 — 13:30 h AULA MAGNA SAN IGNACIO DE LOYOLA

El estudio del arte y la educación o del arte/educación, ambas como binomio, ha cambiado a lo largo de los últimos años. La producción de investigación actualmente se localiza en diversas partes del mundo y cada enfoque responde a las necesidades y preocupaciones propias de cada espacio geográfico. A diferencia de décadas anteriores donde los estudios provenían de lugares específicos como Europa o América del Norte, la perspectiva latinoamericana ha manifestado que se requieren de enfoques diversos, que converjan varias disciplinas y que, sobre todo, respondan a la mejora de comunidades y de la sociedad en general.

Moderadora: Dra. Ana Mae Barbosa.

Diversas disciplinas en Arte y Educación. 

Dra. Luisa Durán y Casahonda Torack (Ibero, México) 

Cada vez más, el Arte y la Educación (ambas con mayúsculas) han salido de las aulas y los museos, espacios tradicionales de enseñanza, para insertarse en ambientes más diversos. Esto se debe al interés de ambas en abarcar públicos más heterogéneos y espacios más democráticos. De la misma manera, en Arte y Educación se ha reconocido la importancia de sumar otras disciplinas para construir nuevos enfoques y ampliar los abordajes para democratizar las temáticas. Pensamos que la combinación y convergencia de disciplinas amplía el espectro y el horizonte del arte y la educación. En los últimos años, en el Departamento de Arte de la Universidad Iberoamericana, se ha reconocido el valor de estos nuevos caminos. Uno de estos enfoques multidisciplinares es la cartografía, tanto su elaboración como su interpretación. La complejidad metodológica de la cartografía permite que todos los actores (por ejemplo, profesores y alumnos) intervengan de manera activa en todos los procesos de su producción. De igual manera se ha incursionado en la elaboración de metodologías a partir de la creación de cómics, la intervención de públicos a través del psicodrama y hasta la creación de talleres sobre arte rupestre. Estos otros abordajes han permitido que Arte y Educación medie de manera horizontal entre los participantes, sin importar sus contextos sociales o educativos, para democratizar las experiencias.

El Arte y la Educación en una perspectiva actual. 

Dr. Luis Manuel Montes Serrano (INBAL)

La INICIACIÓN es en todos los ámbitos de la humanidad un suceso que procura la gestación de origen a nuevos conocimientos que nos incluyan en el devenir de nuestra presencia en el mundo. Como un rito de inclusión a nuevos lenguajes, el arte ha sido y es parte fundamental de la construcción de una nueva humanidad, donde quienes participan se muestran y entregan al mundo la posibilidad de sentir y gestar la percepción de formas, sonidos y lenguajes que nos hacen estar en comunidad con nuestro presente.

El lugar de la escritura artística desde las prácticas de aprendizaje experimental. 

Lic. María Cristina Torres Valle Pons (Investigadora independiente) 

A partir de la reflexión y análisis crítico sobre las definiciones de escritura con que operan los entornos educativos dedicados al arte en México a nivel de políticas internas y posicionamientos culturales, así como las configuraciones sociológicas sostenidas por esta distinción, es posible redefinir y proyectar prácticas alternativas que produzcan innovaciones pedagógicas multidimensionales desde lo estético, lo simbólico, lo afectivo y lo social. Trascender la convención occidental según la cual la escritura suele identificarse únicamente con el lenguaje verbal, tipográfico, formalmente estandarizado y clasificado en áreas de conocimiento disciplinar, categorización íntimamente ligada a las formas de conocimiento del pensamiento patriarcal, permite hablar de la escritura desde una conceptualización extensa y más cercana a los procesos cognitivos colectivos de relación con el entorno. Desde este punto de vista es posible trazar un estado de la cuestión con una perspectiva histórica sobre la construcción de los procesos educativos, enfocándonos en el caso paradigmático de la escritura artística y la tensión que ejercen las prácticas de aprendizaje experimental sobre los entornos académicos por sus implicaciones en el reparto de lo sensible, en la configuración del sistema artístico y en su potencial de transformación social.

Mesa 2: El currículo y la identidad del docente en arte/educación

16:00 — 18:00 AULA MAGNA SAN IGNACIO DE LOYOLA

Una de las principales problemáticas en torno a la educación artística y al binomio arte/educación radica en la falta de constancia de estas actividades en ámbitos formales y curriculares. Cuando ésta existe, el docente muchas veces no está adecuadamente formado en las competencias histórico artísticas o plásticas para ejecutar su docencia o para cumplir los objetivos de la asignación. En esta mesa se pretende exponer y contraponer las problemáticas actuales a nivel de Latinoamérica, a partir de ejemplos específicos relativos a la figura del docente y su papel en la construcción y ejecución del currículo artístico.

Moderador: Mtro. Hugo Vázquez Morales.

Currículo e identidade docente: o desenho de autorretratos. 

Dra. Maristela Sanches Rodrigues (IFSP, Brasil)

Currículo e identidade docente serão aqui abordados a partir de uma perspectiva de professora/artista que os entende como desenhos em contínuo processo de criação. O autorretrato será utilizado como uma metáfora da representação do que somos e da autorreflexão que tal representação nos possibilita. Esta proposta se fundamenta em duas pesquisas que realizo há pouco mais de uma década: uma delas é autobiográfica e busca compreender como venho me constituindo como arte/educadora no Brasil; a outra envolve arte/educadoras(es) de escolas públicas, buscando compreender como o currículo oficial transformou ou não algumas de suas concepções formativas. O entrelaçamento orgânico dessas duas pesquisas tem me permitido vislumbrar que as concepções que nos constituem e identificam como arte/educadoras(es) no Brasil são muito pouco decoloniais, quer falemos sobre arte, sobre professoras(es) de arte e/ou sobre currículos de arte. Olhar para nossos autorretratos como desenhos inacabados/inacabáveis de nós mesmas(os), significa compreender que o processo criativo de constituição de nossa identidade docente não deve se fazer no apagamento de nossas memórias, ao contrário, todos os traços nos constituem e podemos escolher seu peso visual, sua harmonia e equilíbrio, na busca por um autorretrato expressivo e autoral.

Por qué cambiar. El papel del docente en la transformación del aula. 

Mtra. Verónica Arista Trejo (Investigadora independiente) 

Las últimas reformas educativas han tenido la intención de sensibilizar la necesidad de un cambio en el papel del docente, sin embargo, se cuestiona el por qué se mantiene un enfoque tradicionalista de la enseñanza en pleno siglo XXI. Cuáles son aquellas competencias que el docente debe adquirir, qué debe cambiar y qué debe permanecer para tener calidad en la educación y el egreso de alumnos con capacidades, habilidades y valores, como lo son el pensamiento crítico y reflexivo, el generar sus propios aprendizajes, el ser creativos, que participen en las decisiones democráticas que le corresponden a los ciudadanos del presente y del futuro, que cuenten con los aprendizajes fundamentales para la resolución de problemas que enfrentan tanto en el aula como fuera de ella. La Nueva Escuela Mexicana, es el reto que se ha planteado la presente administración, por lo que es necesario hacer partícipe al factor de cambio que es el docente con una propuesta que lo convenza de adquirir nuevas formas de enseñanza con el acompañamiento y la capacitación debida, así como el promover la importancia de un trabajo colaborativo entre pares. 

El semillero SINAV en Colombia Una experiencia de formación en investigación-creación desde la modalidad de enseñanza virtual. 

Mtra. Slenka Leandra Botello Gil (UNAD) 

La ponencia tiene por objeto compartir la experiencia del proceso formativo en investigación-creación que se ha desarrollado desde el programa de Artes Visuales de la Universidad Nacional Abierta y a Distancia UNAD, en Colombia, con el Semillero de Investigación en Artes Visuales SINAV. En la primera parte del trabajo se conceptualizará sobre la investigación-creación como estrategia metodológica para la producción en artes, destacando sus particularidades disciplinares y relevancia en el contexto académico universitario actual. La segunda parte tomará como caso de estudio concreto el desarrollo del proyecto de investigación-creación Imágenes de lo extraordinario, que supuso la creación de una video instalación basada en investigación histórica y el trabajo conjunto de docentes y estudiantes en un proceso de formación investigativa en modalidad virtual. Se expondrán las estrategias metodológicas desarrolladas, sus alcances y retos, esperando que sirvan como referencia para el desarrollo de experiencias futuras en el campo de la educación en artes.

¿Existe futuro para la educación artística en secundaria? 

Mtra. María José Gutiérrez Padilla (Observatorio de Arte y Cultura) 

En el marco de los recientes cambios a la educación básica por parte del gobierno actual de México, esta ponencia tiene como objetivo poner en cuestión, el valor de la asignatura “Educación Artística” en el nivel secundaria; de modo que pueda ser visible cómo es que los objetivos de ésta se vislumbran para lograr lo establecido en el artículo tercero de la Constitución Política, así como su afinidad con respecto a los Acuerdos de Educación publicados en fechas recientes. Para ello se hizo una revisión de la asignatura desde la RIEB 2011, hasta la reciente Reforma aplicada a partir de agosto de 2018; así como la manera en la que ésta se desarrolla en el aula, las libertades que reconoce la legislación de la misma y los vacíos que le permiten al docente ajustar los contenidos. De dicha forma, se plantea cuál es el escenario que soporta a la asignatura, sus objetivos en la práctica y el posible futuro que tiene ésta con base en la información recabada.

Foro: Servicios educativos en museos y centros culturales

18:00 — 20:00 H AULA MAGNA SAN IGNACIO DE LOYOLA

En este panel, las expertas hablarán del papel que ejercen los mediadores en los museos frente a distintos públicos, narrarán experiencias desde México hasta Argentina principalmente, nos llevarán por diversas latitudes en las que instituciones y públicos varían pero que con los casos que presentarán, dejarán al descubierto la importancia de la mediación, de la sensibilización que se requiere para ganar nuevos públicos o para conservar a los públicos obtenidos a través de la oferta de nuevas herramientas tecnológicas y metodológicas  en los servicios educativos que ofrecen las instituciones museales o nuevos espacios de exhibición.

En esta reunión se dará lugar a la voz de mujeres que trabajan en el medio de exhibiciones, que investigan y producen materiales para innovar los museos del siglo XXI: ¿vale la pena repensar el museo y los servicios educativos que ofrecen? Las respuestas a esta pregunta conformarán una reflexión crítica no solo de los públicos, las exhibiciones, los recursos museográficos o los espacios expositivos sino también de las estrategias de aquellos quienes acercan la cultura, el arte, la ciencia, la historia a las sociedades actuales.

Coordina: Dra. Ivonne Lonna Olvera.

Agencias de la tecnología y la comunicación en la narrativa sonora museal. 

Mtra. Alma Angélica Cortés Lezama.

En ningún otro momento antes de la historia de los museos ha habido constante referencia al sonido como en los últimos años. La idea de repensar en su incorporación al museo responde a las numerosas prácticas sonoras artísticas en México y al crecimiento de lugares para la escucha de esas prácticas que pone en juego la urgencia de hablar de una escucha frente a contenidos sonoros museales. Sin embargo, muchos de estos contenidos reflejan un desconocimiento del fenómeno sonoro, de la tecnología que lo soporta y de la comunicación que se plantea conseguir ¿Hacia dónde apuntan las agencias de la tecnología y la comunicación en esas narrativas sonoras? Esta presentación aborda nuevas implicaciones conceptuales de dichos términos que enmarcan el uso de la narrativa sonora en el museo.

Pedagogía Cívica reconsiderada: Talking to Action y Sullivan Galleries en School of the Art Institute. 

Mtra. Almudena Caso Burbano.

La exposición Talking to Action: arte, pedagogía y activismo en las Américasinvestiga prácticas artísticas latinoamericanas y latinas comprometidas socialmente en todo el continente americano. Inaugurada en Otis College of Art and Design en Los Ángeles, Talking to Action viajó a Sullivan Galleries en School of the Art Institute of Chicago, donde se exhibió durante más de tres meses en 2018. Dada la naturaleza dialógica y relacional de los veintidós proyectos presentados en Talking to Action, este documento reflexiona sobre el proceso de adaptación curatorial y educativo llevado a cabo por el equipo de Sullivan Galleries para servir las narrativas políticas presentes en la exposición, la misión de esta galería perteneciente una escuela de arte, y los potenciales pedagógicos de la exposición. En este proceso, encontramos preguntas relacionadas con la representación y exposición intercultural, la traducción de características artísticas complejas y los potenciales decoloniales de Talking to Action como una herramienta educativa ampliada. 

EspIRA y MDA: ejercicios de pedagogía experimental para una América Latina. 

Mtra. Adriana Melchor Betancourt.

El presente trabajo tiene como objetivo contrastar las propuestas pedagógicas experimentales de EspIRA (Espacio para la Investigación y Reflexión Artística) fundado en 2004 por la artista nicaragüense Patricia Belli, y el método para el aprendizaje del arte de Diana Aisenberg en Argentina, conocido como MDA y nacido durante los años de la postdictadura. Estos ejercicios, pertenecientes a contextos y momentos específicos en Latinoamérica, tienen en común el renegociar críticamente la educación artística en sus países. Sus operaciones metodológicas privilegian la experiencia personal, los afectos y la creación de espacios íntimos que den lugar a procesos de aprendizaje poco convencionales, en relación con las prácticas académicas tradicionales. Desde ahí, han cuestionado las nociones anquilosadas sobre el arte, pero sobre todo, han contribuido al surgimiento de un circuito artístico contemporáneo latinoamericano. Particularmente, el proyecto de Belli, ha fortalecido enormemente la región de Centroamérica. Desde los estudios histórico-artísticos, estas dos apuestas experimentales sobre arte y educación permiten analizar la producción artística que tiene como núcleo de trabajo estrategias pedagógicas. Asimismo, nos ayuda a reflexionar en la operación de los servicios educativos de un museo y en las prácticas de curaduría pedagógica de hoy día.  

La mediación educativa del museo como espacio político. 

Mtra. Azucena Meza Uscanga.

La mediación educativa en el museo de arte, además de configurarse desde la propuesta curatorial y pedagógica del recinto, implica también el uso del espacio donde el discurso se expone, los rasgos retóricos a partir de los cuales se pretende formar la mirada de los visitantes y las estrategias de comunicación que predisponen al público a una experiencia, muchas veces, desde una promesa de venta que busca la mayor cantidad de asistentes como prioridad. Es a partir de los imaginarios de este sujeto y su disposición para hacer uso del espacio, que se construye finalmente una lectura de la exposición. En este trabajo se reflexiona sobre la visita al museo como un espacio de posibilidades formativas en los sujetos a partir de la apropiación que harán desde el uso del recinto y los imaginarios implicados para la lectura del discurso.

¿A quién sirve el museo? Educación expandida y ciudadanía crítica en los museos de arte del siglo XXI.

Lic. Katherine Ávalos Parra.

La ponencia presenta como eje central la idea de educación expandida en museos contemporáneos, reconociendo la transdisciplinariedad como estrategia de construcción de sentido y ciudadanía. Desde los anteojos de la museología crítica, se presentan iniciativas desarrolladas por la Unidad de Educación del Museo de Arte Contemporáneo (MAC) de la Universidad de Chile para evaluar en qué medida éstas pueden presentar síntomas transformativos en la institución, tensionando la idea del museo tradicional como referente colonial en occidente. Las experiencias que se abordan son laboratorios en los que se pone en marcha procesos de deconstrucción, despatriarcalización, decolonización, politización y activismo, entre otras, buscando repensar permanente las prácticas de mediación artística en la institucionalidad desde una óptica cuestionadora en función de su mejoramiento, replanteando la labor social, reflexiva y militante de los museos.

Foro: Experiencias en el aula, nuevas perspectivas 

18:00 — 20:00 H Auditorio Ángel Palerm Vich

La disciplina del arte y educación es una donde convergen muchas otras, es un cruce de caminos donde podemos ver prácticas, saberes y experiencias variadas, fomentadas por la propia naturaleza de esta disciplina. Una de estas convergencias es la que se da en el aula entre alumnos, maestros y artistas, donde incluso estos papeles a veces se cruzan entre ellos. En esta mesa titulada “Experiencias en el aula. Nuevas perspectivas” podemos ver a esta variedad de prácticas conviviendo en un espacio y cómo de esta mezcla emergen diferentes formas de ver el ejercicio del arte y la educación.  Los tres expositores que conforman la mesa lanzan diferentes cuestionamientos que parten tanto de su propia experiencia como la de otros profesionales del medio. Vemos, en sus propuestas, la suma de una pluralidad¡ de disciplinas y vivencias que han convergido en el arte y educación y que abren nuevas posibilidades: ¿Cómo la educación estética puede fomentar la comprensión lectora? ¿Qué emerge de la interacción de artistas-docentes que capacitan a profesores? ¿Cómo el docente puede integrar su práctica en un escenario tan complejo como éste? Son estas cuestiones las que guían a la mesa, abriendo retos, pero también las posibilidades de crecimiento de cada disciplina. 

Coordina: Lic. Abdel Aloysius Aguirre Porras.

Los otros sentidos de la lectura a través de la educación estética. 

Mtro. Edgar Ariel Corona.

La educación estética en el campo de la enseñanza representa un enfoque contemporáneo que permite comprender otras realidades, crear significados y notar de manera profunda las distintas dimensiones que conforman al sujeto. El objetivo de este trabajo es reflexionar sobre las bondades de la metodología de la educación estética y su disposición para el desarrollo de la comprensión lectora. Desde esta premisa, la reflexión expresa las diversas posibilidades imaginativas que se lograron desarrollar con un grupo de profesores de primaria y secundaria en el marco de un proyecto de capacitación realizado por el Instituto Mexicano del Arte al Servicio de la Educación AC (IMASE). El documento establece puntos de encuentro para dialogar sobre la relevancia del arte en la educación, las posibilidades que este brinda en la comprensión de diversos textos y el valor del profesorado para la provocación de otros imaginarios.

Otras lecto-escrituras desde el vórtice. Una puesta en común de metodologías para espacios públicos.

Mtra. María Luisa Gámez Tolentino. 

El ICDAC es un grupo de investigación que inicia en 2015 en la entonces Escuela Nacional de Artes Plásticas ENAP, hoy Facultad de Artes y Diseño FAD, UNAM. En sus siglas se nomina Intervenciones Críticas Desde el Arte Contemporáneo. El ICDAC es una organización de once docentes, en su mayoría de asignatura, que inició con distintas actividades en torno al arte contemporáneo. Actualmente percibimos un periodo de maduración en tono grupal. Tan así que trabaja desde los afectos, el disenso y el mitote, pues los perfiles además de variados (artes visuales, historia del arte, diseño y comunicación visual, filosofía, leyes y estudios latinoamericanos), son muchas las personalidades. Lo cual nos lleva con regularidad a repensarnos en la identidad del docente para una urdimbre entre el arte, la educación y su investigación. Por lo tanto, una impronta es ¿cómo investigar la educación para las artes y los diseños? Como intención reflexiva su busca integrar la investigación artística y educación artística ante otros cruces analíticos: lo descolonial y decolonial, lo mesoamericano, educación no formal, las relaciones con el Museo, el género, los feminismos, lo queer/cuir, entre otros. En consecuencia, este trabajo expone las formas de trabajo para hacer-nos como GRUPO en espacios áulicos.

Posibilidades de una metodología interdisciplinaria en educación artística enfocada a la formación de docentes de la escuela básica. 

Mtra. Rosa María Guadalupe Rivera García. 

La educación artística es fundamental en la formación integral de los seres humanos pues promueve la creatividad, la imaginación, el pensamiento crítico y tiene efectos positivos en el desarrollo de la conciencia social y cultural. El propósito central de la investigación que llevo a cabo en el doctorado en Ciencias en la especialidad de investigaciones educativas, es caracterizar y comprender las prácticas e interacciones de un grupo de cuatro artistas-docentes que imparten en dupla un seminario especializado en educación artística dentro de una maestría con enfoque profesionalizante dirigida a maestros de educación básica en servicio -profesores que en su mayoría no son especialistas en alguna disciplina artística-. La intención de la ponencia es presentar algunos hallazgos derivados de mi trabajo etnográfico en el que he realizado observaciones durante 24 sesiones del seminario. Me interesa compartir los rasgos de la metodología interdisciplinaria diseñada y utilizada por este grupo de artistas-docentes, así como algunos aspectos pedagógicos que subyacen en sus prácticas y que dan pie a un ambiente de confianza para que los participantes se animen a explorar a través de las artes.

Jueves 11 de julio

Mesa 3: Formación de profesores de arte: otras miradas

9:00 — 11:00 AULA MAGNA SAN IGNACIO DE LOYOLA

Generalmente estudiamos el desarrollo e historia de la enseñanza artística, sus procesos y sus resultados. Sin embargo, pocos se han detenido a estudiar y entender el papel de los profesores que imparten estas asignaturas en espacios formales y no formales. Por otro lado, el papel del docente frente a un grupo ha cambiado en las últimas dos décadas debido a los cambios paradigmáticos de los modelos educativos. Esta doble problemática hace indispensable plantearnos nuevas miradas para la formación de los docentes de las Artes. El intercambio teórico entre diversas maneras de formar docentes tiene como objetivo divisar puntos de encuentro, problemáticas similares y soluciones eficientes.

Moderador: Dra. Luisa Durán y Casahonda Torack.

La experiencia formativa en el contexto del Curso Intensivo de Arte na Educação (1961-1981): perspectivas multiculturales. 

Mtro. Sidiney Peterson Ferreira de Lima (Instituto de Artes- UNESP)

Como anuncia el título de la comunicación, nos proponemos abordar la temática de la formación docente en el ámbito del Curso Intensivo de Arte na Educação (1961-1981), desde una perspectiva multicultural. Organizamos la ponencia a partir de algunos cuestionamientos: ¿es posible discutir prácticas del CIAE desde una perspectiva multicultural?, ¿cómo caracterizar las prácticas desarrolladas en el ámbito del CIAE? Si concordamos en que se trata de prácticas multiculturales, ¿qué tipo de multiculturalidad se desarrolla? Estas cuestiones nos ayudan a organizar el pensamiento para reflexionar y discutir críticamente la formación de arte-educadoras en el contexto del Curso Intensivo de Arte na Educação (CIAE). La escritura del presente trabajo está organizada de forma que, las posibles lectoras y lectores, puedan acompañar nuestra lectura e interpretación del tema propuesto, dejando espacios para otras lecturas e interpretaciones, ampliando así el debate y posibles caminos para otras formas de conocimiento acerca de la historia de la formación docente, en el campo de la Arte/ Educación brasileña.

Reflexiones sobre la pertinencia de una pedagogía de la participación en la formación de docentes de arte. 

Mtro. Hugo Vázquez Morales (Subdirector Académico Escuela Iniciación Artística 4, INBAL)

El análisis que se pretende desarrollar parte tres de cuestiones: ¿es la democracia un concepto esencial para la formación de docentes de arte?, ¿cómo se articula dicho concepto en prácticas artísticas cuyo potencial pedagógico configura espacios de diálogo entre el arte y la educación?, ¿cómo se constituye la relación entre docente y alumno en el espacio dialógico antes mencionado? Desde estas indagaciones se revisará la conceptualización de la democracia desde la crítica a la noción hegemónica hecha por Boaventura de Sousa Santos para reflexionar sobre la pertinencia y/o necesidad de una formación artístico docente basada en la horizontalidad y la pedagogía de la participación hacia una descolonización de las prácticas de enseñanza-aprendizaje.

Teachers Bridging Difference: Exploring Identity Through Art. 

Dra. Marit Dewhurst (City College of New York)

For many educators, the rise of segregation in our society means that they have little experience connecting with people outside of their own bubbles. Many educators are ill-equipped to bridge the social divides in their schools and communities. This results in increased misunderstanding at best, and dangerous harm to our students and their communities at worst. As we grow increasingly segregated, it is imperative that our teaching seeks to bridge our social divisions. To move towards cultural equity in our teaching, this workshop highlights how art can help us begin to unlearn the limited ideas we have been taught about ourselves and each other and to build relationships across our differences. Based on a recently published book, this workshop highlights research and practical activities from an arts-based curriculum focused on identity and cross-cultural learning. Drawing on research conducted with alumni of an art education teacher training program, the session will describe how we can use art activities to re-imagine new ways of nurturing connections across social differences (i.e. race, class, gender, nationality, citizenship, religion, etc.). The activities are organized around four main stances that educators can practice to deepen their capacity to critique their own cultural positionality and work towards nurturing cross-cultural relationships with students, families, and communities.

PROF-ARTES: Un programa de formación para profesores de Artes. 

Dra. Rejane Galvão Coutinho (Instituto de Arte/UNESP)

La formación en el nivel de posgrado en Brasil, viene privilegiando a lo largo de los años la formación académica de investigación. Con el objetivo de ampliar el acceso de los docentes de educación básica a este nivel de formación y cualificar esa enseñanza, fueron creados por el Ministerio de Educación, los programas de Maestría Profesional. El PROF-ARTES es un programa stricto sensu en Artes con área de concentración en la Enseñanza de Artes (Artes Visuales, Teatro, Danza y Música), formado por una red de once instituciones de Enseñanza Superior asociadas que se esparcen por Brasil. Como coordinadora de este programa en el Instituto de Artes de la UNESP en San Pablo, haré una breve presentación de su estructura y funcionamiento, comentando los resultados de dos grupos que finalizaron en 2016 y 2018. Relataré también las dificultades de mantener un programa que tiene como objetivo la cualificación de la enseñanza a partir de la inversión en la formación de los docentes, sobretodo, cuando la disciplina en cuestión, el Arte, es contradictoriamente desvalorizada en el contexto escolar tradicional, exactamente por su potencia de transformación social y cultural.

Mesa 4: Historias de la enseñanza del arte: experiencias, personajes, metodologías y teorías latinoamericanas

11:30 — 13:30 H AULA MAGNA SAN IGNACIO DE LOYOLA

Entender la historia de la educación artística en Latinoamérica permite visualizar las diferencias y las dificultades de cada región. También, permite construir perfiles y miradas a partir del conocimiento “del otro”. En esta mesa se presentan tres miradas, la brasileña, la mexicana y la cubana con la intención de reivindicar metodologías y construir enfoques decoloniales.

Moderador: Mtro. Sidiney Peterson Ferreira de Lima.

Arte/Educación: abordaje triangular y ecología. 

Dra. Ana Mae Barbosa (USP, Brasil) 

El texto discurre sobre el Abordaje Triangular, un constructo metodológico sistematizado en Brasil. Este tema es abordado teóricamente y demostrado en la práctica por el proyecto sobre Arte y Ecología Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo (MAC/USP). Se trata de un proyecto que comprendió una exposición de artes visuales, un seminario teórico y experiencias educativas con diez mil niñas y niños de la periferia de la ciudad de San Pablo. En 2018 parte de este proyecto fue reconstruido en su práctica educativa de forma itinerante en diversas instituciones culturales. “La preocupación con la ecología viene siendo considerada como característica de la pedagogía posmoderna. Los artistas y los arte/educadores tienen un papel importante que desempeñar en el esfuerzo de preservar la naturaleza y los seres humanos en la naturaleza.” 

Una aproximación a la historicidad de la educación artística en México: reflexiones críticas desde el presente. 

Mtra. Laura Irene González Gómez (Ibero, México)

La educación artística se encuentra inserta a lo largo de varias décadas dentro del sistema educativo mexicano, sin embargo ¿que ha entendido el Estado por educación artística? En la comprensión dialéctica de la historia como posibilidad, será posible aproximarse a la educación artística en función de entender el papel que ha desempeñado en el sistema educativo actual, con sus límites ideológicos, epistemológicos, culturales y políticos que la han configurado. De tal manera que el acercamiento histórico que se propone, estimule la reflexión y el diálogo de nuevas propuestas que respondan a las demandas y exigencias presentes de la educación básica en México. 

Quinquenio gris y censura en Cuba: ecos y repercusiones. El papel del I Congreso de Educación y Cultural en el desarrollo de la política cultural cubana. 

Lic. Samuel Hernández Dominicis (Ibero, México).

En medio de álgidos debates culturales que impactaban el prestigio de la Revolución cubana en el plano internacional y podían definir el rumbo de la política cultural de un país, se convocó en 1971 a miles de docentes para participar en un Congreso de Educación. El mismo, por razones estratégicas, asumió también en el título de su convocatoria el apellido de Cultura y discutió entre sus delegados el papel de la educación en el país, así como su relación con la Cultura. Curiosamente esta reunión, no solo marcó las directrices de la docencia en la isla, sino que condicionó la política cultural y definió su destino sin contar con sus principales protagonistas, los artistas. Revisitar hoy este momento histórico, relegado al olvido de manera consciente por sus nefastas repercusiones, no sólo es importante para entender el papel de la educación y la cultura en la Cuba socialista de inicios de los setentas, sino también para comprender el desarrollo histórico y el destino de la actual política cultural, así como sus repercusiones.

Mesa 5: Experiencias artísticas y arteeducativas en diferentes contextos sociales y educativos: acciones y reacciones desde el campo del arte y del arte/educación

15:30 — 17:30 H AULA MAGNA SAN IGNACIO DE LOYOLA

El arte y la educación, la educación artística y la mediación de las artes tienen un fin práctico y un propósito específico, el impacto a través de experiencias. Ya sea en trabajo directo con comunidades y grupos, en espacios de educación formal, en casas de cultura, en museos o instituciones, las experiencias directas con las personas, comunidades o grupos específicos que interactúan a través de metodologías y programas arteeducativos son los productos que permiten enriquecer nuestros enfoques, estudios y propuestas. 

Moderadora: Mtra. Laura Irene González Gómez

Visualidades Populares – deslocamentos práticos y conceptuales en formación docente en arte y cultura visual. 

Dra. Leda Maria de Barros Guimarães (UFG, Brasil)

¿Qué atravesamientos puede provocar el trabajo con arte y cultura popular en la formación de docentes en artes visuales en Brasil? ¿Qué desplazamientos pueden ocurrir en las concepciones de arte y de cultura pautadas en el currículo? Estas han sido cuestiones que me han acompañado en el ejercicio como profesora de grado y posgrado en la Universidad Federal de Goiás, región centro-oeste de Brasil. Comenzaré cuestionando concepciones muy cerradas de arte y cultura popular, ampliando miradas, intercruzamientos y rehacer culturales que huyen de clasificaciones. Así como son muchas formas culturales y muchos los “populares”, adopto la expresión de visualidades popularescon el propósito de trabajar con un gradiente más abierto y diverso en el que formas cotidianas ligadas al trabajo, formas artesanales de resistencia, apropiaciones y mezclas, están presentes como posibilidades estéticas de lo popular, que abren espacio para conocimientos relegados en una sociedad aún de valores esclavistas. Estas propuestas se conectan con enfoques contemporáneos del arte y su enseñanza, en los que la historia de vida y la estética de lo cotidiano son valoradas y el trabajo manual femenino se presenta como un fuerte componente estético. El cuestionamiento de las fronteras entre alta y baja cultura, entre arte y artesanía, entre arte y cotidiano puede ser entendido en la contemporaneidad como una propuesta decolonial, cuando buscamos el quiebre de los paradigmas imperialistas que aún encadenan prácticas y discursos artísticos, estéticos y pedagógicos en Brasil y en América Latina.

Decolonial o colonial, ¿sería la enseñanza de las Artes en Brasil un lugar de resistencia?

Dra. Maria das Vitórias Negreiros do Amaral (UFRPE, Brasil)

Teniendo en cuenta que las hipótesis derivadas de una historia de la enseñanza del arte oficial están siempre vinculadas al privilegio estructural que pocos tuvieron en escribirla, reconociendo que privilegia al artista: hombre blanco, europeo y rico; el discurso feminista tiene su responsabilidad porque trae un discurso más plural, más horizontalizado, más democrático y cíclico. El arte que no está ubicado en esos patrones por ser producidos por cualquier artista independiente de haber nacido en clases sociales económicamente acomodadas, está siendo alejado de las clases de arte, gracias a las políticas imperialistas y fascistas. Propongo entonces una discusión sobre ¿cómo el arte y su enseñanza están vinculados a las políticas y sistema económico de cada país? Y en esos momentos de crisis política y económica es importante que los/las profesores de arte tengan la conciencia de sus historias para que resista y continúe la transformación que se inició en la enseñanza de las artes. Es necesario que sigamos discutiendo en el aula de artes sobre la mujer, indígenas, negros/as, LGBT y todos los grupos de artistas considerados periféricos, teniendo una conciencia en la mirada y en la producción de arte y su historia.

La danza y los museos. Un ejemplo de convergencia disciplinar a partir de experiencias arte educativas.

Mtra. María Sicarú Vásquez Orozco (Ibero, México)

El ámbito cultural mexicano, en específico, los sectores que implican a los museos y a la danza mantienen prácticas y ejes discursivos que difícilmente se adaptan a cambios de paradigmas o las nuevas formas de pensamiento de la sociedad. Esta ponencia pretende mostrar cómo a partir de la convergencia entre la danza y las exposiciones museísticas se generan experiencias que, a través del arte y la educación, inciden no sólo en las prácticas y políticas culturales que atañen a los museos tradicionales y al imaginario de la danza, sino también a los públicos y comunidades que se acercan a este tipo de exposiciones y las viven desde lo corporal y lo visual.

Crear para recordar y (re)conocerme. Memorias y resistencias identitarias infantiles desde el arte y su educación. 

Dra. María Fernanda Álvarez Gil (Ibero, México)

El texto indaga y habla, por un lado, sobre la educación artística infantil actual desde la perspectiva poscolonial y posmoderna, haciendo referencia a la investigación basada en las artes, la polifonía etnográfica y la corriente reconstruccionista social de la educación del arte. Por otro lado, en un segundo momento, se analizan y exponen ejemplos concretos de estas tendencias pedagógicas y de investigación con base en las artes puestas en práctica en determinados contextos infantiles minoritarios y de vulnerabilidad social de Colombia y México, mostrando las bondades y potencialidades que tienen para visibilizar y mejorar las condiciones educativas y sociales de estas infancias vulnerables.  

Foro: Prácticas y políticas culturales en arte y arte/educación

17:30 — 19:30 H AULA MAGNA SAN IGNACIO DE LOYOLA

En este foro se discutirá el tema de las prácticas y discursos de proyectos artísticos que buscan tener un impacto social y educativo. Y como toda actividad de esta índole no se puede reducir a un fenómeno únicamente estético ni cultural, el planteamiento de las políticas culturales y económicas que la rigen es de vital importancia para su impacto y comprensión. La filósofa Martha Nussbaum escribió: “El descuido y el desprecio de las artes y las humanidades generan un peligro para nuestra calidad de vida y para la salud de nuestras democracias”, es por ello que, a la par, se buscará indagar sobre la importancia de las políticas culturales a nivel nacional, sus acciones y su impacto en la sociedad.

Coordina: Lic. Mariana Chávez-Lara.

Ave Fénix: una experiencia emancipadora a través del arte, la educación y el desarrollo humano en la comunidad femenil del CERESO de Mexicali, Baja California.

Mtra. Marycarmen Arroyo Macías. 

El presente trabajo describe un proyecto de vinculación entre la Facultad de Artes de la Universidad Autónoma de Baja California, Campus Mexicali y la Secretaría de Seguridad Pública a través del Centro de Reinserción Social. El objetivo de este proyecto es coadyuvar a la reinserción de mujeres que se encuentran en este centro a través de las artes plásticas. El arte, la educación y el desarrollo humano son los pilares que fundamentan la estructura de las actividades y metodologías de trabajo. Desde las teorías Freirianas y las aportaciones de Howard Gardner bocetamos nuestra práctica como colaborativa y comunitaria, donde buscamos el empoderamiento de las mujeres a través de prácticas emancipadoras que devengan de la creación artística. Como nos menciona Elliot Eisner el arte nos provee de ciertas habilidades cognitivas, en las que encontramos la imaginación, la creatividad, la sensibilidad y la percepción, las cuales funcionan como vía de acceso para la reflexión personal, su capacidad creadora y propositiva en la vida de estas mujeres.

Espacio abierto: un espacio alternativo para las artes en San Miguel de Allende y la institución de lo independiente. 

Dra. María Eugenia Rabadán Villalpando.

Esta ponencia propone tratar –en el caso particular de Espacio abierto: el espacio alternativo para las artes de San Miguel de Allende, curado por Michael Bock entre 1994-2003– cómo instituciones y museos de arte contemporáneo tienden a considerar la orientación de los espacios independientes para el arte en la contratación de curadores, la formación de sus colecciones, o en la definición de líneas de investigación a publicar o exponer. Esta observación tiene como punto de partida una investigación original, basada el análisis un archivo formado en el Espacio alternativo de Michael Bock. Entre los principales proyectos realizados se pueden mencionar la primera exposición póstuma de Conlon Nancarrow; el Encuentro de Arte Sonoro del cual deriva el Festival Internacional de Arte Sonoro del CONACULTA/INBA curado por Manuel Rocha; y la entrada del NetArt en México en 1997 desde Documenta X de Kassel a través de Espacio abierto. Entre sus proyectos utópicos se encuentran una instalación propuesta por Santiago Sierra al Espacio Abierto, una exposición de Yves Amu Klein -hijo de Yves Klein-, y una exposición de Marcel Odenbach, uno de los más influyentes artistas de video en Europa.

Discursos críticos, ¿prácticas críticas? 

Mtro. Francisco Escorza Espinosa.

En diversos museos de arte se encuentran con mayor frecuencia exposiciones que buscan establecer una perspectiva crítica frente a la sociedad. Para ello se sirven de múltiples corrientes de pensamiento que permiten replantear la lectura de las artes. Al mismo tiempo es perceptible un cambio en el que las obras artísticas plantean cuestionamientos a través de su materiales y estrategias. Ante ello las prácticas de los museos, principalmente las que se relacionan con los distintos públicos, continúan con metodologías de corte tradicional en las que se reproducen las relaciones de poder imperantes; por ello adquiere relevancia revisar la relación entre discurso y práctica a través de la interacción que se da con las obras de arte en un recinto museístico. Si bien existen diversas experiencias a lo largo de Latinoamérica que dan cuenta de estas transformaciones, es necesario revisar la forma en la que los diversos públicos interactúan con los públicos más amplios. La naturaleza doble de los museos de arte como espacios de conocimiento sobre las artes y de experiencia de las artes sirve como punto de partida para la reflexión. Es desde esta perspectiva que se busca analizar la interacción entre obra y discurso como experiencia crítica.

Foro: Retos de la enseñanza artística/histórico artística

17:30 — 19:30 H Auditorio Ángel Palerm Vich 

El contenido de esta mesa es bastante diverso: arte contemporáneo, arte novohispano, visualidad del diseño gráfico y diseño textil, todo desde la perspectiva de la educación y gracias a la experiencia de la docencia de los cuatro ponentes, todos provenientes de distintas formaciones: Carlos Rojas se enfoca en la teoría y práctica del arte contemporáneo en las intervenciones pedagógicas para así socializar este tipo de expresiones artísticas. Fernanda Becerril, por su cuenta, a través de su experiencia docente, se enfoca en cómo nutrir las clases de historia de educación media superior a través de la historia del arte, y sus aportaciones para el estudio del periodo novohispano. Respecto a los estudios de diseño, Nora Karina Aguilar Rendón se enfoca en el diseño gráfico y el pensamiento visual desde una perspectiva crítica al eurocentrismo y Brenda Cecilia Ojinaga Zapata estudia los tejidos de pueblos mexicanos y peruanos, el arte textil y el trabajo de las tejedoras en ambos países.

Coordina: Lic. Eréndira Derbez Campos.

Hegemonías educativas en la formación profesional de las competencias de visualización. 

Dra. Nora Karina Aguilar Rendón.

El presente texto deriva de reflexiones personales elaboradas a partir de los resultados en la investigación documental y de campo desarrollada para el nuevo plan de estudios de la Licenciatura en Diseño Gráfico en la Universidad Iberoamericana, Ciudad de México. En este programa curricular se busca el desarrollo de competencias para el diseño, una en particular es la competencia de la visualización. En la investigación documental se identificaron variables que afectan las estrategias de desarrollo de la competencia de visualización como las políticas educativas y las demandas del mercado laboral. Así, políticas educativas hegemónicas eurocéntricas determinan y afectan la formación profesional en la educación superior del diseño.Estas políticas están basadas en factores económicos que determinan la definición de la competencia que se debe desarrollar y establece los criterios para evaluar en el perfil de egreso como un universo limitado del desarrollo integral de los alumnos. En contraparte, la búsqueda de acreditaciones obliga a las instituciones a cumplir los requerimientos que dictan las políticas educativas. Se propone que un sistema monopólico educativo centrado en el alumno orientado a “capabilities” enriquecería el desarrollo integral, la creatividad y el desarrollo del pensamiento visual.

Tejiendo nuevas narrativas: Retos educativos en los centros textiles en México y Perú. 

Lic. Brenda Cecilia Ojinaga Zapata.

Historicamente, el tejido tradicional ha sido estudiado por la antropología y la arqueología. Sin embargo, desde hace décadas, diversas disciplinas como la Historia del Arte, el Diseño, los Estudios de Género, e incluso el Derecho, han abordado temáticas en torno a la creación textil: la relectura de la labor doméstica de las mujeres, los derechos culturales de los pueblos originarios, o la denuncia al plagio de diseños, entre otras. Para la Historia del Arte, el estudio del textil presenta nuevos retos educativos respecto al cuestionar las categorías y metodologías utilizadas tradicionalmente para analizar el arte popular y el arte creado por mujeres. Actualmente, los centros texiles surgidos en México y Perú, han integrado a las tejedoras como parte de equipos multiculturales, siendo directoras, gestoras o traductoras. Esta inclusión de voces, impulsa el desarrollo de un pensamiento crítico, capaz de integrar realidades particulares y prácticas concretas dentro del estudio de la creación cultural y la estética latinoamericana. Abrir espacios para la expresión y escucha de las creadoras del arte textil, contribuye a establecer un conocimiento profundo de los pueblos originarios, reconociendo distintas formas de creación en sociedades diversas y plurales como las que integran nuestra región.

La producción virreinal como herramienta educativa. 

Mtra. Fernanda Becerril Acevedo.

En México, la educación media superior necesita pensar una historia más significativa. Como profesora, lo que busco es plantear una estrategia de enseñanza a través de la historia del arte, donde el arte virreinal sea una herramienta para deshebrar el contenido histórico a través de la simbolización de los elementos compositivos de las obras. Se trata de repensar las relaciones culturales de Nueva España a partir de su representación plástica para profundizar en los factores que les dieron forma, a partir de un lenguaje sencillo, concreto y flexible que ayude a los alumnos a procesar información de manera creativa y concisa. Busco que estos cuadros se lean como lenguajes decodificables, para esto, debemos incluso replantear el discurso virreinal desde una mirada historizada. La historia del arte une las relevancias a través de significar ciertos símbolos para obtener relaciones sociales en varios niveles. Esto da como resultado prácticas culturales, aquellas que al manifestarse muestran “modelosdiscursivos y divisiones intelectuales propias a cada situación de escritura”, y esto genera un entendimiento social de las cosas. Por lo tanto, mi propuesta es llevar las prácticas culturales a las aulas, para lograr una formación más significativa y fundamentada en los ciudadanos futuros.

Apuntes para la enseñanza y usos pedagógicos de arte contemporáneo en contextos populares. 

Lic. Juan Carlos Rojas Martínez.

Esta ponencia aborda la necesidad de concebir el arte contemporáneo como una práctica de conocimiento que requiere mayor socialización y diálogo con sectores sociales no hegemónicos. La construcción y circulación de la esfera arte contemporáneoenfrenta barreras socioeconómicas, culturales y geopolíticas que limitan su democratización y sus posibles alcances como estrategia de conocimiento crítico en la sociedad del capitalismo tardío. Si se concibe el arte contemporáneo como una práctica que moviliza saberes y conocimientos estratégicos, se propone reflexionar sobre la importancia de diseñar acciones e intervenciones pedagógicas para la enseñanza formal y no formal de arte contemporáneo en contextos populares. Se plantea una visión transcultural y constructivista de dicho proceso con el objetivo no solo de fomentar la divulgación de los significados de esta visión y práctica artística; sino de utilizar la teoría y práctica de arte contemporáneo como instrumento pedagógico, en sí mismo, para socializar otros marcos de subjetividad. Desde este enfoque el arte contemporáneo opera como una herramienta de conocimiento que cumple una función pedagógica cuando transmite saberes que conscientemente pretenden intervenir sobre las relaciones de poder que atraviesan la dinámica de los contextos populares. 

Viernes 12 de julio

Foro: Arte/educación, tecnología y otros medios

9:00—11:00 H AULA MAGNA SAN IGNACIO DE LOYOLA

En varias ocasiones hablar de los términos tecnología y otros medios en la educación del arte podría sugerir la presencia de artefactos que se visibilizan externos del arte, pero internos del aprendizaje; en este foro se revisarán desde su agencia vinculante a partir de la cual se propone la educación decolonial como un proceso, ya no individual, sino colectivo que se crea y desarrolla desde la comunidad, desplegando como acción primordial el aprendizaje en la sociabilidad.  El cuerpo, el tacto, el slam de poesía, la música, el mural, la narrativa de un país, se muestran como medios con un valor instrumental para la praxis pedagógica decolonial. Estos planteamientos se suman al cuestionamiento sobre la hegemonía visual que se aplica en la apreciación y educación del arte, y exponen diversas experiencias realizadas en espacios emergentes, como los de resistencia, la calle, los barrios, en las zonas rurales y en las marginales; espacios y prácticas que se proponen disruptivos frente a los tradicionales. 

Coordina: Mtra. Angélica Cortés Lezama

Dibujo participativo y educación artística. El espacio público como aula interdisciplinaria: cuatro casos en México (2016-19).

Uryan Lozano.

Partiendo de que “el dibujar nos da pistas de donde estamo” y que al incorporar en este acto creativo a la sensopercepción entre dos o más personas; se puede afirmar que si se incluye la corporalidad en un proceso de dibujo colectivo en un contexto extramuros, se establece una oportunidad para investigar y cuestionar de primera mano, desde el propio cuerpo, los vínculos emocionales y psíquicos que unen a los que dibujan (artista, educador y alumno) con las problemáticas de su entorno próximo fomentando así un aprendizaje dialógico, incluyente y complejo. Además, se amplía el campo de acción de esta forma de dibujo al terreno de la educación artística, llevando dicha práctica a sitios como espacios públicos, zonas marginales y zonas rurales; entendiendo estos espacios como lugares de acción, encuentro y aprendizaje en los que se puede incidir recíprocamente. Bajo esta lógica, la presente ponencia expondrá cuatro proyectos interdisciplinarios en espacios públicos en México, y atisbará la conformación de una metodología con enfoque interdisciplinar para su futura apropiación.

Arte háptico para personas con discapacidad visual. 

Dr. Jorge Eduardo Zarur Cortés.

Las personas con discapacidad visual por su misma condición están apartadas de las obras artísticas, siendo su único acceso a éstas la descripción oral de algún tipo de guía. Para que estas personas conozcan las pinturas artísticas, la propuesta de los materiales hápticos, proveen información valiosa al discapacitado visual a través del tacto en movimiento, por lo que estos usuarios con la forma, la dimensión y la textura, logran generar imágenes mentales para el conocimiento de las obras. 

El acceso a los distintos escenarios de las manifestaciones artísticas por parte de las personas con discapacidad visual, se da a partir de propuestas de diseño de materiales y talleres, así mismo, con el rediseño de las instalaciones para estas expresiones eliminando obstáculos que funcionan como barreras físicas. Algunas instituciones de cultura, como el Comité Internacional Pro Ciegos de la Ciudad de México, cuentan con la infraestructura necesaria para poder recibir a gente con discapacidad como alumnos que son capacitados para integrarse al contexto social. Así mismo, entre otras actividades propias de la institución, se desarrollan encuentros artísticos en los que el dibujo y la pintura están ya al alcance de los discapacitados visuales.

Batida de poesia: os campeonatos de poesia como método de decolonização empírica. 

Juliana Correia.

Embora tenha nascido em Chicago, Estados Unidos, na década de 80 em uma estrutura mais restrita a certo grupo social no mesmo período que o Hip Hop ganhava força nas ruas e debatia os problemas sociais, as “batidas de poesia” – tradução literal de Poetry slams chega ao Brasil apenas nos anos 2000 e se torna uma das mais potentes expressões de arte e educação fora dos espaços tradicionais, quebra as características Estadunidenses e apresenta em sua constituição brasileira – desde o formato até os conteúdos poéticos – práticas decoloniais. Jovens se reúnem principalmente nas praças e nas ruas para transformar em rima a realidade nua e crua do racismo, desigualdade social e outros tipos de opressões advindas do processo de colonização sem, a maioria deles, ter acesso ao conhecimento histórico-escolar do que é viver em um país colonizado, muitas vezes, sem a conclusão do ensino básico. Mas com a impulsão que somente o empirismo pode proporcionar. A proposta da presente pesquisa é apresentar como a educação decolonial se dá através da arte das palavras em espaços deslegitimados para tal desenvolvimento através da experiência cotidiana dos próprios artistas e do público que busca acompanhar assiduamente estes artistas que percorrem por diversos lugares em competições.

AFROJAM-SP- Espaço de re-existência negra na cidade de São Paulo. 

Vinicius Nonato Campos de Souza.

No Brasil 54% da população é negra. No entanto, esta população é minorizada e, em vários âmbitos, considerada inexistente, sobretudo, em espaços e setores importantes da sociedade brasileira. O evento chamado Afrojam-SP é o encontro entre pessoas negras: artistas, músicos, musicistas, cantores e cantoras. Acontece no espaço físico chamado Lab Mundo Pensante localizado na rua 13 de maio, no Bixiga, bairro tradicional da cidade de São Paulo. Nesse evento um artista convidado apresenta seu show individual com quatro canções autorais e, em seguida, o espaço e instrumentos ficam disponíveis para uma improvisação coletiva entre os presentes no local. O bairro do Bixiga hoje conhecido por ser um bairro italiano, era a área do Quilombo do Saracura espaço de resistência negra na região central da cidade. Este encontro, de certa forma, traz à tona a memória apagada da presença negra na região, criando mais um espaço de sociabilidade afrodiaspórica no centro urbano de São Paulo. Este trabalho/relato de experiência tem como objetivo apresentar de que maneira uma organização coletiva composta por pessoas negras neste espaço não formal de educação realiza trocas de experiências artísticas, de afeto, de construção de conhecimento e identidade através da música. 

Territórios Possíveis: um mapa afetivo pintado por Miguel Alandia Pantoja. 

Mtra. Daniela Calvo Rodrigues Dionizio.

Miguel Alandia Pantoja, em seu mural Luta do povo por sua libertação, pintado em 1964 na cidade de La Paz, Bolívia, apresenta a construção de um território possível, percorrido pelo próprio artista durante sua vida. Em sua pintura está presente um mapa mental/afetivo, marcando na imagem uma paisagem que lhe era muito cara, pontuando a narrativa a partir de sua relação e experiência em seu próprio país.

O território, construído pelo artista, serve de pano de fundo para as personagens presentes no mural: um território que nos dá referências de alguns pontos específicos da paisagem boliviana, que serão de grande relevância para o entendimento da pintura. Uma pintura que destaca ações de grupos, ações coletivas. No mural, a luta pela libertação que se apresenta na narrativa de Pantoja está totalmente relacionada ao território boliviano e à sua história. Diversas camadas em uma pintura, um recontar da história vivida por aquele povo, um olhar de esperança para o futuro, em busca de libertação de todos os grilhões impostos pela exploração desenfreada de matéria prima, pela dominação dos corpos e do território. Um mural que se resume em duas palavra: luta e resistência.

Conferencia magistral 

Arte y educación: relación desde los museos

11:30 — 12:30 H AULA MAGNA SAN IGNACIO DE LOYOLA

Dra. Valeria Sánchez Michel (Ibero, México) 

En la actualidad, uno de los problemas centrales en materia de política educativa es el cómo se motiva a los alumnos para aprender y para que encuentren relevante el conocimiento que adquieren. En la ponencia se reflexionará sobre el papel trascendental que juegan los museos como lugares donde la experiencia es un factor central que puede incidir de forma positiva y ser detonante para fortalecer los procesos de enseñanza aprendizaje.

12:30- 13:30 H AULA MAGNA SAN IGNACIO DE LOYOLA

Conversatorio de clausura: Percepciones sobre el congreso, dibujos para el futuro

Moderadores: Dra. Luisa Durán y Casahonda Torack y Mtro. Sidiney Peterson Ferreira de Lima