Programas y semblanzas

Programa

Miércoles 10 de Julio

9:00 — 10:00 h AULA MAGNA SAN IGNACIO DE LOYOLA

Inauguración

Mtro. David Fernández Dávalos, S.J. Rector de la Universidad Iberoamericana Ciudad de México-Tijuana

Mtra. Sylvia Irene Schmelkes del Valle. Vicerrectora académica de la Universidad Iberoamericana Ciudad de México-Tijuana

Dr. Luis Javier Cuesta Hernández, Director de la División de Humanidades y Comunicación

Dra. Luisa Durán y Casahonda Torack, Coordinadora de Arte y Educación, Departamento de Arte

Mtro. Sidiney Peterson Ferreira de Lima, Instituto de Artes, Universidad Estadual Paulista UNESP

10:00—11:00 h

Conferencia magistral

(De)colonizar la mirada. Análisis desde las artes (audio)visuales y su educación 

Dr. Carlos Escaño, Universidad de Sevilla.

Walter Mignolo dejaba explícito que no podremos desprendernos de la colonialidad del poder si no sabemos cómo funciona. Los diferentes poderes (políticos) coloniales encuentran en la acción artística, mediática y estética un gran aliado para la construcción de la interfaz que media el pensamiento y la praxis social: la mirada. La colonización de la mirada supone un ejercicio de poder sutil e intenso, menos visible que la maquinaria bélica, pero posiblemente más eficaz en los contextos postdigitales que habitamos. La producción de imágenes generadas y organizadas a través de tal interfaz supone el principal hecho en la construcción de la mirada personal y colectiva, la cual depende de nuestra superestructura ideológica, de la política de generación de imágenes, así como de la usabilidad de los dispositivos que la genera. Ante la responsabilidad de producción y uso iconográfico e iconológico no todos mantenemos la misma implicación y responsabilidad: unos mantienen y detentan el poder, hegemónico y colonizador, y otros procuran un contrapoder (decolonizador): algunos construyen miradas; otros, a partir del conocimiento de cómo funciona esa construcción y la práctica de una pedagogía crítica, pretenden una deconstrucción para poder implementar las bases de su reconstrucción icónica.

11:30 — 13:30 h AULA MAGNA SAN IGNACIO DE LOYOLA

Mesa 1: Investigar y escribir sobre arte y arte/educación: emergencias contemporáneas

Moderadora: Dra. Ana Mae Barbosa.

El estudio del arte y la educación o del arte/educación, ambas como binomio, ha cambiado a lo largo de los últimos años. La producción de investigación actualmente se localiza en diversas partes del mundo y cada enfoque responde a las necesidades y preocupaciones propias de cada espacio geográfico. A diferencia de décadas anteriores donde los estudios provenían de lugares específicos como Europa o América del Norte, la perspectiva latinoamericana ha manifestado que se requieren de enfoques diversos, que converjan varias disciplinas y que, sobre todo, respondan a la mejora de comunidades y de la sociedad en general.

Diversas disciplinas en Arte y Educación. 

Dra. Luisa Durán y Casahonda Torack (Ibero, México) 

Cada vez más, el Arte y la Educación (ambas con mayúsculas) han salido de las aulas y los museos, espacios tradicionales de enseñanza, para insertarse en ambientes más diversos. Esto se debe al interés de ambas en abarcar públicos más heterogéneos y espacios más democráticos. De la misma manera, en Arte y Educación se ha reconocido la importancia de sumar otras disciplinas para construir nuevos enfoques y ampliar los abordajes para democratizar las temáticas. Pensamos que la combinación y convergencia de disciplinas amplía el espectro y el horizonte del arte y la educación. En los últimos años, en el Departamento de Arte de la Universidad Iberoamericana, se ha reconocido el valor de estos nuevos caminos. Uno de estos enfoques multidisciplinares es la cartografía, tanto su elaboración como su interpretación. La complejidad metodológica de la cartografía permite que todos los actores (por ejemplo, profesores y alumnos) intervengan de manera activa en todos los procesos de su producción. De igual manera se ha incursionado en la elaboración de metodologías a partir de la creación de cómics, la intervención de públicos a través del psicodrama y hasta la creación de talleres sobre arte rupestre. Estos otros abordajes han permitido que Arte y Educación medie de manera horizontal entre los participantes, sin importar sus contextos sociales o educativos, para democratizar las experiencias.

El Arte y la Educación en una perspectiva actual. 

Dr. Luis Manuel Montes Serrano (INBAL)

La INICIACIÓN es en todos los ámbitos de la humanidad un suceso que procura la gestación de origen a nuevos conocimientos que nos incluyan en el devenir de nuestra presencia en el mundo. Como un rito de inclusión a nuevos lenguajes, el arte ha sido y es parte fundamental de la construcción de una nueva humanidad, donde quienes participan se muestran y entregan al mundo la posibilidad de sentir y gestar la percepción de formas, sonidos y lenguajes que nos hacen estar en comunidad con nuestro presente.

El lugar de la escritura artística desde las prácticas de aprendizaje experimental. 

Lic. María Cristina Torres Valle Pons (Investigadora independiente) 

A partir de la reflexión y análisis crítico sobre las definiciones de escritura con que operan los entornos educativos dedicados al arte en México a nivel de políticas internas y posicionamientos culturales, así como las configuraciones sociológicas sostenidas por esta distinción, es posible redefinir y proyectar prácticas alternativas que produzcan innovaciones pedagógicas multidimensionales desde lo estético, lo simbólico, lo afectivo y lo social. Trascender la convención occidental según la cual la escritura suele identificarse únicamente con el lenguaje verbal, tipográfico, formalmente estandarizado y clasificado en áreas de conocimiento disciplinar, categorización íntimamente ligada a las formas de conocimiento del pensamiento patriarcal, permite hablar de la escritura desde una conceptualización extensa y más cercana a los procesos cognitivos colectivos de relación con el entorno. Desde este punto de vista es posible trazar un estado de la cuestión con una perspectiva histórica sobre la construcción de los procesos educativos, enfocándonos en el caso paradigmático de la escritura artística y la tensión que ejercen las prácticas de aprendizaje experimental sobre los entornos académicos por sus implicaciones en el reparto de lo sensible, en la configuración del sistema artístico y en su potencial de transformación social.

16:00 — 18:00 AULA MAGNA SAN IGNACIO DE LOYOLA

Mesa 2: El currículo y la identidad del docente en arte/educación

Moderador: Mtro. Hugo Vázquez Morales.

Una de las principales problemáticas en torno a la educación artística y al binomio arte/educación radica en la falta de constancia de estas actividades en ámbitos formales y curriculares. Cuando ésta existe, el docente muchas veces no está adecuadamente formado en las competencias histórico artísticas o plásticas para ejecutar su docencia o para cumplir los objetivos de la asignación. En esta mesa se pretende exponer y contraponer las problemáticas actuales a nivel de Latinoamérica, a partir de ejemplos específicos relativos a la figura del docente y su papel en la construcción y ejecución del currículo artístico.

Currículo e identidade docente: o desenho de autorretratos. 

Dra. Maristela Sanches Rodrigues (IFSP, Brasil)

Currículo e identidade docente serão aqui abordados a partir de uma perspectiva de professora/artista que os entende como desenhos em contínuo processo de criação. O autorretrato será utilizado como uma metáfora da representação do que somos e da autorreflexão que tal representação nos possibilita. Esta proposta se fundamenta em duas pesquisas que realizo há pouco mais de uma década: uma delas é autobiográfica e busca compreender como venho me constituindo como arte/educadora no Brasil; a outra envolve arte/educadoras(es) de escolas públicas, buscando compreender como o currículo oficial transformou ou não algumas de suas concepções formativas. O entrelaçamento orgânico dessas duas pesquisas tem me permitido vislumbrar que as concepções que nos constituem e identificam como arte/educadoras(es) no Brasil são muito pouco decoloniais, quer falemos sobre arte, sobre professoras(es) de arte e/ou sobre currículos de arte. Olhar para nossos autorretratos como desenhos inacabados/inacabáveis de nós mesmas(os), significa compreender que o processo criativo de constituição de nossa identidade docente não deve se fazer no apagamento de nossas memórias, ao contrário, todos os traços nos constituem e podemos escolher seu peso visual, sua harmonia e equilíbrio, na busca por um autorretrato expressivo e autoral.

Por qué cambiar. El papel del docente en la transformación del aula. 

Mtra. Verónica Arista Trejo (Investigadora independiente) 

Las últimas reformas educativas han tenido la intención de sensibilizar la necesidad de un cambio en el papel del docente, sin embargo, se cuestiona el por qué se mantiene un enfoque tradicionalista de la enseñanza en pleno siglo XXI. Cuáles son aquellas competencias que el docente debe adquirir, qué debe cambiar y qué debe permanecer para tener calidad en la educación y el egreso de alumnos con capacidades, habilidades y valores, como lo son el pensamiento crítico y reflexivo, el generar sus propios aprendizajes, el ser creativos, que participen en las decisiones democráticas que le corresponden a los ciudadanos del presente y del futuro, que cuenten con los aprendizajes fundamentales para la resolución de problemas que enfrentan tanto en el aula como fuera de ella. La Nueva Escuela Mexicana, es el reto que se ha planteado la presente administración, por lo que es necesario hacer partícipe al factor de cambio que es el docente con una propuesta que lo convenza de adquirir nuevas formas de enseñanza con el acompañamiento y la capacitación debida, así como el promover la importancia de un trabajo colaborativo entre pares. 

El semillero SINAV en Colombia Una experiencia de formación en investigación-creación desde la modalidad de enseñanza virtual. 

Mtra. Slenka Leandra Botello Gil (UNAD) 

La ponencia tiene por objeto compartir la experiencia del proceso formativo en investigación-creación que se ha desarrollado desde el programa de Artes Visuales de la Universidad Nacional Abierta y a Distancia UNAD, en Colombia, con el Semillero de Investigación en Artes Visuales SINAV. En la primera parte del trabajo se conceptualizará sobre la investigación-creación como estrategia metodológica para la producción en artes, destacando sus particularidades disciplinares y relevancia en el contexto académico universitario actual. La segunda parte tomará como caso de estudio concreto el desarrollo del proyecto de investigación-creación Imágenes de lo extraordinario, que supuso la creación de una video instalación basada en investigación histórica y el trabajo conjunto de docentes y estudiantes en un proceso de formación investigativa en modalidad virtual. Se expondrán las estrategias metodológicas desarrolladas, sus alcances y retos, esperando que sirvan como referencia para el desarrollo de experiencias futuras en el campo de la educación en artes.

¿Existe futuro para la educación artística en secundaria? 

Mtra. María José Gutiérrez Padilla (Observatorio de Arte y Cultura) 

En el marco de los recientes cambios a la educación básica por parte del gobierno actual de México, esta ponencia tiene como objetivo poner en cuestión, el valor de la asignatura “Educación Artística” en el nivel secundaria; de modo que pueda ser visible cómo es que los objetivos de ésta se vislumbran para lograr lo establecido en el artículo tercero de la Constitución Política, así como su afinidad con respecto a los Acuerdos de Educación publicados en fechas recientes. Para ello se hizo una revisión de la asignatura desde la RIEB 2011, hasta la reciente Reforma aplicada a partir de agosto de 2018; así como la manera en la que ésta se desarrolla en el aula, las libertades que reconoce la legislación de la misma y los vacíos que le permiten al docente ajustar los contenidos. De dicha forma, se plantea cuál es el escenario que soporta a la asignatura, sus objetivos en la práctica y el posible futuro que tiene ésta con base en la información recabada.

18:00 — 20:00 H AULA MAGNA SAN IGNACIO DE LOYOLA

Foro: Servicios educativos en museos y centros culturales

Coordina: Dra. Ivonne Lonna Olvera.

En este panel, las expertas hablarán del papel que ejercen los mediadores en los museos frente a distintos públicos, narrarán experiencias desde México hasta Argentina principalmente, nos llevarán por diversas latitudes en las que instituciones y públicos varían pero que con los casos que presentarán, dejarán al descubierto la importancia de la mediación, de la sensibilización que se requiere para ganar nuevos públicos o para conservar a los públicos obtenidos a través de la oferta de nuevas herramientas tecnológicas y metodológicas  en los servicios educativos que ofrecen las instituciones museales o nuevos espacios de exhibición.

En esta reunión se dará lugar a la voz de mujeres que trabajan en el medio de exhibiciones, que investigan y producen materiales para innovar los museos del siglo XXI: ¿vale la pena repensar el museo y los servicios educativos que ofrecen? Las respuestas a esta pregunta conformarán una reflexión crítica no solo de los públicos, las exhibiciones, los recursos museográficos o los espacios expositivos sino también de las estrategias de aquellos quienes acercan la cultura, el arte, la ciencia, la historia a las sociedades actuales.

Agencias de la tecnología y la comunicación en la narrativa sonora museal. 

Mtra. Alma Angélica Cortés Lezama.

En ningún otro momento antes de la historia de los museos ha habido constante referencia al sonido como en los últimos años. La idea de repensar en su incorporación al museo responde a las numerosas prácticas sonoras artísticas en México y al crecimiento de lugares para la escucha de esas prácticas que pone en juego la urgencia de hablar de una escucha frente a contenidos sonoros museales. Sin embargo, muchos de estos contenidos reflejan un desconocimiento del fenómeno sonoro, de la tecnología que lo soporta y de la comunicación que se plantea conseguir ¿Hacia dónde apuntan las agencias de la tecnología y la comunicación en esas narrativas sonoras? Esta presentación aborda nuevas implicaciones conceptuales de dichos términos que enmarcan el uso de la narrativa sonora en el museo.

Pedagogía Cívica reconsiderada: Talking to Action y Sullivan Galleries en School of the Art Institute. 

Mtra. Almudena Caso Burbano.

La exposición Talking to Action: arte, pedagogía y activismo en las Américasinvestiga prácticas artísticas latinoamericanas y latinas comprometidas socialmente en todo el continente americano. Inaugurada en Otis College of Art and Design en Los Ángeles, Talking to Action viajó a Sullivan Galleries en School of the Art Institute of Chicago, donde se exhibió durante más de tres meses en 2018. Dada la naturaleza dialógica y relacional de los veintidós proyectos presentados en Talking to Action, este documento reflexiona sobre el proceso de adaptación curatorial y educativo llevado a cabo por el equipo de Sullivan Galleries para servir las narrativas políticas presentes en la exposición, la misión de esta galería perteneciente una escuela de arte, y los potenciales pedagógicos de la exposición. En este proceso, encontramos preguntas relacionadas con la representación y exposición intercultural, la traducción de características artísticas complejas y los potenciales decoloniales de Talking to Action como una herramienta educativa ampliada. 

EspIRA y MDA: ejercicios de pedagogía experimental para una América Latina. 

Mtra. Adriana Melchor Betancourt.

El presente trabajo tiene como objetivo contrastar las propuestas pedagógicas experimentales de EspIRA (Espacio para la Investigación y Reflexión Artística) fundado en 2004 por la artista nicaragüense Patricia Belli, y el método para el aprendizaje del arte de Diana Aisenberg en Argentina, conocido como MDA y nacido durante los años de la postdictadura. Estos ejercicios, pertenecientes a contextos y momentos específicos en Latinoamérica, tienen en común el renegociar críticamente la educación artística en sus países. Sus operaciones metodológicas privilegian la experiencia personal, los afectos y la creación de espacios íntimos que den lugar a procesos de aprendizaje poco convencionales, en relación con las prácticas académicas tradicionales. Desde ahí, han cuestionado las nociones anquilosadas sobre el arte, pero sobre todo, han contribuido al surgimiento de un circuito artístico contemporáneo latinoamericano. Particularmente, el proyecto de Belli, ha fortalecido enormemente la región de Centroamérica. Desde los estudios histórico-artísticos, estas dos apuestas experimentales sobre arte y educación permiten analizar la producción artística que tiene como núcleo de trabajo estrategias pedagógicas. Asimismo, nos ayuda a reflexionar en la operación de los servicios educativos de un museo y en las prácticas de curaduría pedagógica de hoy día.  

La mediación educativa del museo como espacio político. 

Mtra. Azucena Meza Uscanga.

La mediación educativa en el museo de arte, además de configurarse desde la propuesta curatorial y pedagógica del recinto, implica también el uso del espacio donde el discurso se expone, los rasgos retóricos a partir de los cuales se pretende formar la mirada de los visitantes y las estrategias de comunicación que predisponen al público a una experiencia, muchas veces, desde una promesa de venta que busca la mayor cantidad de asistentes como prioridad. Es a partir de los imaginarios de este sujeto y su disposición para hacer uso del espacio, que se construye finalmente una lectura de la exposición. En este trabajo se reflexiona sobre la visita al museo como un espacio de posibilidades formativas en los sujetos a partir de la apropiación que harán desde el uso del recinto y los imaginarios implicados para la lectura del discurso.

¿A quién sirve el museo? Educación expandida y ciudadanía crítica en los museos de arte del siglo XXI.

Lic. Katherine Ávalos Parra.

La ponencia presenta como eje central la idea de educación expandida en museos contemporáneos, reconociendo la transdisciplinariedad como estrategia de construcción de sentido y ciudadanía. Desde los anteojos de la museología crítica, se presentan iniciativas desarrolladas por la Unidad de Educación del Museo de Arte Contemporáneo (MAC) de la Universidad de Chile para evaluar en qué medida éstas pueden presentar síntomas transformativos en la institución, tensionando la idea del museo tradicional como referente colonial en occidente. Las experiencias que se abordan son laboratorios en los que se pone en marcha procesos de deconstrucción, despatriarcalización, decolonización, politización y activismo, entre otras, buscando repensar permanente las prácticas de mediación artística en la institucionalidad desde una óptica cuestionadora en función de su mejoramiento, replanteando la labor social, reflexiva y militante de los museos.

18:00 — 20:00 H Auditorio Ángel Palerm Vich

Foro: Experiencias en el aula, nuevas perspectivas 

Coordina: Lic. Abdel Aloysius Aguirre Porras.

La disciplina del arte y educación es una donde convergen muchas otras, es un cruce de caminos donde podemos ver prácticas, saberes y experiencias variadas, fomentadas por la propia naturaleza de esta disciplina. Una de estas convergencias es la que se da en el aula entre alumnos, maestros y artistas, donde incluso estos papeles a veces se cruzan entre ellos. En esta mesa titulada “Experiencias en el aula. Nuevas perspectivas” podemos ver a esta variedad de prácticas conviviendo en un espacio y cómo de esta mezcla emergen diferentes formas de ver el ejercicio del arte y la educación.  Los tres expositores que conforman la mesa lanzan diferentes cuestionamientos que parten tanto de su propia experiencia como la de otros profesionales del medio. Vemos, en sus propuestas, la suma de una pluralidad¡ de disciplinas y vivencias que han convergido en el arte y educación y que abren nuevas posibilidades: ¿Cómo la educación estética puede fomentar la comprensión lectora? ¿Qué emerge de la interacción de artistas-docentes que capacitan a profesores? ¿Cómo el docente puede integrar su práctica en un escenario tan complejo como éste? Son estas cuestiones las que guían a la mesa, abriendo retos, pero también las posibilidades de crecimiento de cada disciplina. 

Los otros sentidos de la lectura a través de la educación estética. 

Mtro. Edgar Ariel Corona.

La educación estética en el campo de la enseñanza representa un enfoque contemporáneo que permite comprender otras realidades, crear significados y notar de manera profunda las distintas dimensiones que conforman al sujeto. El objetivo de este trabajo es reflexionar sobre las bondades de la metodología de la educación estética y su disposición para el desarrollo de la comprensión lectora. Desde esta premisa, la reflexión expresa las diversas posibilidades imaginativas que se lograron desarrollar con un grupo de profesores de primaria y secundaria en el marco de un proyecto de capacitación realizado por el Instituto Mexicano del Arte al Servicio de la Educación AC (IMASE). El documento establece puntos de encuentro para dialogar sobre la relevancia del arte en la educación, las posibilidades que este brinda en la comprensión de diversos textos y el valor del profesorado para la provocación de otros imaginarios.

Otras lecto-escrituras desde el vórtice. Una puesta en común de metodologías para espacios públicos.

Mtra. María Luisa Gámez Tolentino. 

El ICDAC es un grupo de investigación que inicia en 2015 en la entonces Escuela Nacional de Artes Plásticas ENAP, hoy Facultad de Artes y Diseño FAD, UNAM. En sus siglas se nomina Intervenciones Críticas Desde el Arte Contemporáneo. El ICDAC es una organización de once docentes, en su mayoría de asignatura, que inició con distintas actividades en torno al arte contemporáneo. Actualmente percibimos un periodo de maduración en tono grupal. Tan así que trabaja desde los afectos, el disenso y el mitote, pues los perfiles además de variados (artes visuales, historia del arte, diseño y comunicación visual, filosofía, leyes y estudios latinoamericanos), son muchas las personalidades. Lo cual nos lleva con regularidad a repensarnos en la identidad del docente para una urdimbre entre el arte, la educación y su investigación. Por lo tanto, una impronta es ¿cómo investigar la educación para las artes y los diseños? Como intención reflexiva su busca integrar la investigación artística y educación artística ante otros cruces analíticos: lo descolonial y decolonial, lo mesoamericano, educación no formal, las relaciones con el Museo, el género, los feminismos, lo queer/cuir, entre otros. En consecuencia, este trabajo expone las formas de trabajo para hacer-nos como GRUPO en espacios áulicos.

Posibilidades de una metodología interdisciplinaria en educación artística enfocada a la formación de docentes de la escuela básica. 

Mtra. Rosa María Guadalupe Rivera García. 

La educación artística es fundamental en la formación integral de los seres humanos pues promueve la creatividad, la imaginación, el pensamiento crítico y tiene efectos positivos en el desarrollo de la conciencia social y cultural. El propósito central de la investigación que llevo a cabo en el doctorado en Ciencias en la especialidad de investigaciones educativas, es caracterizar y comprender las prácticas e interacciones de un grupo de cuatro artistas-docentes que imparten en dupla un seminario especializado en educación artística dentro de una maestría con enfoque profesionalizante dirigida a maestros de educación básica en servicio -profesores que en su mayoría no son especialistas en alguna disciplina artística-. La intención de la ponencia es presentar algunos hallazgos derivados de mi trabajo etnográfico en el que he realizado observaciones durante 24 sesiones del seminario. Me interesa compartir los rasgos de la metodología interdisciplinaria diseñada y utilizada por este grupo de artistas-docentes, así como algunos aspectos pedagógicos que subyacen en sus prácticas y que dan pie a un ambiente de confianza para que los participantes se animen a explorar a través de las artes.

9:00 — 11:00 AULA MAGNA SAN IGNACIO DE LOYOLA

Jueves 11 de julio

Mesa 3: Formación de profesores de arte: otras miradas

Moderador: Dra. Luisa Durán y Casahonda Torack.

Generalmente estudiamos el desarrollo e historia de la enseñanza artística, sus procesos y sus resultados. Sin embargo, pocos se han detenido a estudiar y entender el papel de los profesores que imparten estas asignaturas en espacios formales y no formales. Por otro lado, el papel del docente frente a un grupo ha cambiado en las últimas dos décadas debido a los cambios paradigmáticos de los modelos educativos. Esta doble problemática hace indispensable plantearnos nuevas miradas para la formación de los docentes de las Artes. El intercambio teórico entre diversas maneras de formar docentes tiene como objetivo divisar puntos de encuentro, problemáticas similares y soluciones eficientes.

La experiencia formativa en el contexto del Curso Intensivo de Arte na Educação (1961-1981): perspectivas multiculturales. 

Mtro. Sidiney Peterson Ferreira de Lima (Instituto de Artes- UNESP)

Como anuncia el título de la comunicación, nos proponemos abordar la temática de la formación docente en el ámbito del Curso Intensivo de Arte na Educação (1961-1981), desde una perspectiva multicultural. Organizamos la ponencia a partir de algunos cuestionamientos: ¿es posible discutir prácticas del CIAE desde una perspectiva multicultural?, ¿cómo caracterizar las prácticas desarrolladas en el ámbito del CIAE? Si concordamos en que se trata de prácticas multiculturales, ¿qué tipo de multiculturalidad se desarrolla? Estas cuestiones nos ayudan a organizar el pensamiento para reflexionar y discutir críticamente la formación de arte-educadoras en el contexto del Curso Intensivo de Arte na Educação (CIAE). La escritura del presente trabajo está organizada de forma que, las posibles lectoras y lectores, puedan acompañar nuestra lectura e interpretación del tema propuesto, dejando espacios para otras lecturas e interpretaciones, ampliando así el debate y posibles caminos para otras formas de conocimiento acerca de la historia de la formación docente, en el campo de la Arte/ Educación brasileña.

Reflexiones sobre la pertinencia de una pedagogía de la participación en la formación de docentes de arte. 

Mtro. Hugo Vázquez Morales (Subdirector Académico Escuela Iniciación Artística 4, INBAL)

El análisis que se pretende desarrollar parte tres de cuestiones: ¿es la democracia un concepto esencial para la formación de docentes de arte?, ¿cómo se articula dicho concepto en prácticas artísticas cuyo potencial pedagógico configura espacios de diálogo entre el arte y la educación?, ¿cómo se constituye la relación entre docente y alumno en el espacio dialógico antes mencionado? Desde estas indagaciones se revisará la conceptualización de la democracia desde la crítica a la noción hegemónica hecha por Boaventura de Sousa Santos para reflexionar sobre la pertinencia y/o necesidad de una formación artístico docente basada en la horizontalidad y la pedagogía de la participación hacia una descolonización de las prácticas de enseñanza-aprendizaje.

Teachers Bridging Difference: Exploring Identity Through Art. 

Dra. Marit Dewhurst (City College of New York)

For many educators, the rise of segregation in our society means that they have little experience connecting with people outside of their own bubbles. Many educators are ill-equipped to bridge the social divides in their schools and communities. This results in increased misunderstanding at best, and dangerous harm to our students and their communities at worst. As we grow increasingly segregated, it is imperative that our teaching seeks to bridge our social divisions. To move towards cultural equity in our teaching, this workshop highlights how art can help us begin to unlearn the limited ideas we have been taught about ourselves and each other and to build relationships across our differences. Based on a recently published book, this workshop highlights research and practical activities from an arts-based curriculum focused on identity and cross-cultural learning. Drawing on research conducted with alumni of an art education teacher training program, the session will describe how we can use art activities to re-imagine new ways of nurturing connections across social differences (i.e. race, class, gender, nationality, citizenship, religion, etc.). The activities are organized around four main stances that educators can practice to deepen their capacity to critique their own cultural positionality and work towards nurturing cross-cultural relationships with students, families, and communities.

PROF-ARTES: Un programa de formación para profesores de Artes. 

Dra. Rejane Galvão Coutinho (Instituto de Arte/UNESP)

La formación en el nivel de posgrado en Brasil, viene privilegiando a lo largo de los años la formación académica de investigación. Con el objetivo de ampliar el acceso de los docentes de educación básica a este nivel de formación y cualificar esa enseñanza, fueron creados por el Ministerio de Educación, los programas de Maestría Profesional. El PROF-ARTES es un programa stricto sensu en Artes con área de concentración en la Enseñanza de Artes (Artes Visuales, Teatro, Danza y Música), formado por una red de once instituciones de Enseñanza Superior asociadas que se esparcen por Brasil. Como coordinadora de este programa en el Instituto de Artes de la UNESP en San Pablo, haré una breve presentación de su estructura y funcionamiento, comentando los resultados de dos grupos que finalizaron en 2016 y 2018. Relataré también las dificultades de mantener un programa que tiene como objetivo la cualificación de la enseñanza a partir de la inversión en la formación de los docentes, sobretodo, cuando la disciplina en cuestión, el Arte, es contradictoriamente desvalorizada en el contexto escolar tradicional, exactamente por su potencia de transformación social y cultural.

11:30 — 13:30 H AULA MAGNA SAN IGNACIO DE LOYOLA

Mesa 4: Historias de la enseñanza del arte: experiencias, personajes, metodologías y teorías latinoamericanas

Moderador: Mtro. Sidiney Peterson Ferreira de Lima.

Entender la historia de la educación artística en Latinoamérica permite visualizar las diferencias y las dificultades de cada región. También, permite construir perfiles y miradas a partir del conocimiento “del otro”. En esta mesa se presentan tres miradas, la brasileña, la mexicana y la cubana con la intención de reivindicar metodologías y construir enfoques decoloniales.

Arte/Educación: abordaje triangular y ecología. 

Dra. Ana Mae Barbosa (USP, Brasil) 

El texto discurre sobre el Abordaje Triangular, un constructo metodológico sistematizado en Brasil. Este tema es abordado teóricamente y demostrado en la práctica por el proyecto sobre Arte y Ecología Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo (MAC/USP). Se trata de un proyecto que comprendió una exposición de artes visuales, un seminario teórico y experiencias educativas con diez mil niñas y niños de la periferia de la ciudad de San Pablo. En 2018 parte de este proyecto fue reconstruido en su práctica educativa de forma itinerante en diversas instituciones culturales. “La preocupación con la ecología viene siendo considerada como característica de la pedagogía posmoderna. Los artistas y los arte/educadores tienen un papel importante que desempeñar en el esfuerzo de preservar la naturaleza y los seres humanos en la naturaleza.” 

Una aproximación a la historicidad de la educación artística en México: reflexiones críticas desde el presente. 

Mtra. Laura Irene González Gómez (Ibero, México)

La educación artística se encuentra inserta a lo largo de varias décadas dentro del sistema educativo mexicano, sin embargo ¿que ha entendido el Estado por educación artística? En la comprensión dialéctica de la historia como posibilidad, será posible aproximarse a la educación artística en función de entender el papel que ha desempeñado en el sistema educativo actual, con sus límites ideológicos, epistemológicos, culturales y políticos que la han configurado. De tal manera que el acercamiento histórico que se propone, estimule la reflexión y el diálogo de nuevas propuestas que respondan a las demandas y exigencias presentes de la educación básica en México. 

Quinquenio gris y censura en Cuba: ecos y repercusiones. El papel del I Congreso de Educación y Cultural en el desarrollo de la política cultural cubana. 

Lic. Samuel Hernández Dominicis (Ibero, México).

En medio de álgidos debates culturales que impactaban el prestigio de la Revolución cubana en el plano internacional y podían definir el rumbo de la política cultural de un país, se convocó en 1971 a miles de docentes para participar en un Congreso de Educación. El mismo, por razones estratégicas, asumió también en el título de su convocatoria el apellido de Cultura y discutió entre sus delegados el papel de la educación en el país, así como su relación con la Cultura. Curiosamente esta reunión, no solo marcó las directrices de la docencia en la isla, sino que condicionó la política cultural y definió su destino sin contar con sus principales protagonistas, los artistas. Revisitar hoy este momento histórico, relegado al olvido de manera consciente por sus nefastas repercusiones, no sólo es importante para entender el papel de la educación y la cultura en la Cuba socialista de inicios de los setentas, sino también para comprender el desarrollo histórico y el destino de la actual política cultural, así como sus repercusiones.

15:30 — 17:30 H AULA MAGNA SAN IGNACIO DE LOYOLA

Mesa 5: Experiencias artísticas y arteeducativas en diferentes contextos sociales y educativos: acciones y reacciones desde el campo del arte y del arte/educación

Moderadora: Mtra. Laura Irene González Gómez

El arte y la educación, la educación artística y la mediación de las artes tienen un fin práctico y un propósito específico, el impacto a través de experiencias. Ya sea en trabajo directo con comunidades y grupos, en espacios de educación formal, en casas de cultura, en museos o instituciones, las experiencias directas con las personas, comunidades o grupos específicos que interactúan a través de metodologías y programas arteeducativos son los productos que permiten enriquecer nuestros enfoques, estudios y propuestas. 

Visualidades Populares – deslocamentos práticos y conceptuales en formación docente en arte y cultura visual. 

Dra. Leda Maria de Barros Guimarães (UFG, Brasil)

¿Qué atravesamientos puede provocar el trabajo con arte y cultura popular en la formación de docentes en artes visuales en Brasil? ¿Qué desplazamientos pueden ocurrir en las concepciones de arte y de cultura pautadas en el currículo? Estas han sido cuestiones que me han acompañado en el ejercicio como profesora de grado y posgrado en la Universidad Federal de Goiás, región centro-oeste de Brasil. Comenzaré cuestionando concepciones muy cerradas de arte y cultura popular, ampliando miradas, intercruzamientos y rehacer culturales que huyen de clasificaciones. Así como son muchas formas culturales y muchos los “populares”, adopto la expresión de visualidades popularescon el propósito de trabajar con un gradiente más abierto y diverso en el que formas cotidianas ligadas al trabajo, formas artesanales de resistencia, apropiaciones y mezclas, están presentes como posibilidades estéticas de lo popular, que abren espacio para conocimientos relegados en una sociedad aún de valores esclavistas. Estas propuestas se conectan con enfoques contemporáneos del arte y su enseñanza, en los que la historia de vida y la estética de lo cotidiano son valoradas y el trabajo manual femenino se presenta como un fuerte componente estético. El cuestionamiento de las fronteras entre alta y baja cultura, entre arte y artesanía, entre arte y cotidiano puede ser entendido en la contemporaneidad como una propuesta decolonial, cuando buscamos el quiebre de los paradigmas imperialistas que aún encadenan prácticas y discursos artísticos, estéticos y pedagógicos en Brasil y en América Latina.

Decolonial o colonial, ¿sería la enseñanza de las Artes en Brasil un lugar de resistencia?

Dra. Maria das Vitórias Negreiros do Amaral (UFRPE, Brasil)

Teniendo en cuenta que las hipótesis derivadas de una historia de la enseñanza del arte oficial están siempre vinculadas al privilegio estructural que pocos tuvieron en escribirla, reconociendo que privilegia al artista: hombre blanco, europeo y rico; el discurso feminista tiene su responsabilidad porque trae un discurso más plural, más horizontalizado, más democrático y cíclico. El arte que no está ubicado en esos patrones por ser producidos por cualquier artista independiente de haber nacido en clases sociales económicamente acomodadas, está siendo alejado de las clases de arte, gracias a las políticas imperialistas y fascistas. Propongo entonces una discusión sobre ¿cómo el arte y su enseñanza están vinculados a las políticas y sistema económico de cada país? Y en esos momentos de crisis política y económica es importante que los/las profesores de arte tengan la conciencia de sus historias para que resista y continúe la transformación que se inició en la enseñanza de las artes. Es necesario que sigamos discutiendo en el aula de artes sobre la mujer, indígenas, negros/as, LGBT y todos los grupos de artistas considerados periféricos, teniendo una conciencia en la mirada y en la producción de arte y su historia.

La danza y los museos. Un ejemplo de convergencia disciplinar a partir de experiencias arte educativas.

Mtra. María Sicarú Vásquez Orozco (Ibero, México)

El ámbito cultural mexicano, en específico, los sectores que implican a los museos y a la danza mantienen prácticas y ejes discursivos que difícilmente se adaptan a cambios de paradigmas o las nuevas formas de pensamiento de la sociedad. Esta ponencia pretende mostrar cómo a partir de la convergencia entre la danza y las exposiciones museísticas se generan experiencias que, a través del arte y la educación, inciden no sólo en las prácticas y políticas culturales que atañen a los museos tradicionales y al imaginario de la danza, sino también a los públicos y comunidades que se acercan a este tipo de exposiciones y las viven desde lo corporal y lo visual.

Crear para recordar y (re)conocerme. Memorias y resistencias identitarias infantiles desde el arte y su educación. 

Dra. María Fernanda Álvarez Gil (Ibero, México)

El texto indaga y habla, por un lado, sobre la educación artística infantil actual desde la perspectiva poscolonial y posmoderna, haciendo referencia a la investigación basada en las artes, la polifonía etnográfica y la corriente reconstruccionista social de la educación del arte. Por otro lado, en un segundo momento, se analizan y exponen ejemplos concretos de estas tendencias pedagógicas y de investigación con base en las artes puestas en práctica en determinados contextos infantiles minoritarios y de vulnerabilidad social de Colombia y México, mostrando las bondades y potencialidades que tienen para visibilizar y mejorar las condiciones educativas y sociales de estas infancias vulnerables.  

17:30 — 19:30 H AULA MAGNA SAN IGNACIO DE LOYOLA

Foro: Prácticas y políticas culturales en arte y arte/educación

Coordina: Lic. Mariana Chávez-Lara.

En este foro se discutirá el tema de las prácticas y discursos de proyectos artísticos que buscan tener un impacto social y educativo. Y como toda actividad de esta índole no se puede reducir a un fenómeno únicamente estético ni cultural, el planteamiento de las políticas culturales y económicas que la rigen es de vital importancia para su impacto y comprensión. La filósofa Martha Nussbaum escribió: “El descuido y el desprecio de las artes y las humanidades generan un peligro para nuestra calidad de vida y para la salud de nuestras democracias”, es por ello que, a la par, se buscará indagar sobre la importancia de las políticas culturales a nivel nacional, sus acciones y su impacto en la sociedad.

Ave Fénix: una experiencia emancipadora a través del arte, la educación y el desarrollo humano en la comunidad femenil del CERESO de Mexicali, Baja California.

Mtra. Marycarmen Arroyo Macías. 

El presente trabajo describe un proyecto de vinculación entre la Facultad de Artes de la Universidad Autónoma de Baja California, Campus Mexicali y la Secretaría de Seguridad Pública a través del Centro de Reinserción Social. El objetivo de este proyecto es coadyuvar a la reinserción de mujeres que se encuentran en este centro a través de las artes plásticas. El arte, la educación y el desarrollo humano son los pilares que fundamentan la estructura de las actividades y metodologías de trabajo. Desde las teorías Freirianas y las aportaciones de Howard Gardner bocetamos nuestra práctica como colaborativa y comunitaria, donde buscamos el empoderamiento de las mujeres a través de prácticas emancipadoras que devengan de la creación artística. Como nos menciona Elliot Eisner el arte nos provee de ciertas habilidades cognitivas, en las que encontramos la imaginación, la creatividad, la sensibilidad y la percepción, las cuales funcionan como vía de acceso para la reflexión personal, su capacidad creadora y propositiva en la vida de estas mujeres.

Espacio abierto: un espacio alternativo para las artes en San Miguel de Allende y la institución de lo independiente. 

Dra. María Eugenia Rabadán Villalpando.

Esta ponencia propone tratar –en el caso particular de Espacio abierto: el espacio alternativo para las artes de San Miguel de Allende, curado por Michael Bock entre 1994-2003– cómo instituciones y museos de arte contemporáneo tienden a considerar la orientación de los espacios independientes para el arte en la contratación de curadores, la formación de sus colecciones, o en la definición de líneas de investigación a publicar o exponer. Esta observación tiene como punto de partida una investigación original, basada el análisis un archivo formado en el Espacio alternativo de Michael Bock. Entre los principales proyectos realizados se pueden mencionar la primera exposición póstuma de Conlon Nancarrow; el Encuentro de Arte Sonoro del cual deriva el Festival Internacional de Arte Sonoro del CONACULTA/INBA curado por Manuel Rocha; y la entrada del NetArt en México en 1997 desde Documenta X de Kassel a través de Espacio abierto. Entre sus proyectos utópicos se encuentran una instalación propuesta por Santiago Sierra al Espacio Abierto, una exposición de Yves Amu Klein -hijo de Yves Klein-, y una exposición de Marcel Odenbach, uno de los más influyentes artistas de video en Europa.

Discursos críticos, ¿prácticas críticas? 

Mtro. Francisco Escorza Espinosa.

En diversos museos de arte se encuentran con mayor frecuencia exposiciones que buscan establecer una perspectiva crítica frente a la sociedad. Para ello se sirven de múltiples corrientes de pensamiento que permiten replantear la lectura de las artes. Al mismo tiempo es perceptible un cambio en el que las obras artísticas plantean cuestionamientos a través de su materiales y estrategias. Ante ello las prácticas de los museos, principalmente las que se relacionan con los distintos públicos, continúan con metodologías de corte tradicional en las que se reproducen las relaciones de poder imperantes; por ello adquiere relevancia revisar la relación entre discurso y práctica a través de la interacción que se da con las obras de arte en un recinto museístico. Si bien existen diversas experiencias a lo largo de Latinoamérica que dan cuenta de estas transformaciones, es necesario revisar la forma en la que los diversos públicos interactúan con los públicos más amplios. La naturaleza doble de los museos de arte como espacios de conocimiento sobre las artes y de experiencia de las artes sirve como punto de partida para la reflexión. Es desde esta perspectiva que se busca analizar la interacción entre obra y discurso como experiencia crítica.

17:30 — 19:30 H Auditorio Ángel Palerm Vich 

Foro: Retos de la enseñanza artística/histórico artística

Coordina: Lic. Eréndira Derbez Campos.

El contenido de esta mesa es bastante diverso: arte contemporáneo, arte novohispano, visualidad del diseño gráfico y diseño textil, todo desde la perspectiva de la educación y gracias a la experiencia de la docencia de los cuatro ponentes, todos provenientes de distintas formaciones: Carlos Rojas se enfoca en la teoría y práctica del arte contemporáneo en las intervenciones pedagógicas para así socializar este tipo de expresiones artísticas. Fernanda Becerril, por su cuenta, a través de su experiencia docente, se enfoca en cómo nutrir las clases de historia de educación media superior a través de la historia del arte, y sus aportaciones para el estudio del periodo novohispano. Respecto a los estudios de diseño, Nora Karina Aguilar Rendón se enfoca en el diseño gráfico y el pensamiento visual desde una perspectiva crítica al eurocentrismo y Brenda Cecilia Ojinaga Zapata estudia los tejidos de pueblos mexicanos y peruanos, el arte textil y el trabajo de las tejedoras en ambos países.

Hegemonías educativas en la formación profesional de las competencias de visualización. 

Dra. Nora Karina Aguilar Rendón.

El presente texto deriva de reflexiones personales elaboradas a partir de los resultados en la investigación documental y de campo desarrollada para el nuevo plan de estudios de la Licenciatura en Diseño Gráfico en la Universidad Iberoamericana, Ciudad de México. En este programa curricular se busca el desarrollo de competencias para el diseño, una en particular es la competencia de la visualización. En la investigación documental se identificaron variables que afectan las estrategias de desarrollo de la competencia de visualización como las políticas educativas y las demandas del mercado laboral. Así, políticas educativas hegemónicas eurocéntricas determinan y afectan la formación profesional en la educación superior del diseño.Estas políticas están basadas en factores económicos que determinan la definición de la competencia que se debe desarrollar y establece los criterios para evaluar en el perfil de egreso como un universo limitado del desarrollo integral de los alumnos. En contraparte, la búsqueda de acreditaciones obliga a las instituciones a cumplir los requerimientos que dictan las políticas educativas. Se propone que un sistema monopólico educativo centrado en el alumno orientado a “capabilities” enriquecería el desarrollo integral, la creatividad y el desarrollo del pensamiento visual.

Tejiendo nuevas narrativas: Retos educativos en los centros textiles en México y Perú. 

Lic. Brenda Cecilia Ojinaga Zapata.

Historicamente, el tejido tradicional ha sido estudiado por la antropología y la arqueología. Sin embargo, desde hace décadas, diversas disciplinas como la Historia del Arte, el Diseño, los Estudios de Género, e incluso el Derecho, han abordado temáticas en torno a la creación textil: la relectura de la labor doméstica de las mujeres, los derechos culturales de los pueblos originarios, o la denuncia al plagio de diseños, entre otras. Para la Historia del Arte, el estudio del textil presenta nuevos retos educativos respecto al cuestionar las categorías y metodologías utilizadas tradicionalmente para analizar el arte popular y el arte creado por mujeres. Actualmente, los centros texiles surgidos en México y Perú, han integrado a las tejedoras como parte de equipos multiculturales, siendo directoras, gestoras o traductoras. Esta inclusión de voces, impulsa el desarrollo de un pensamiento crítico, capaz de integrar realidades particulares y prácticas concretas dentro del estudio de la creación cultural y la estética latinoamericana. Abrir espacios para la expresión y escucha de las creadoras del arte textil, contribuye a establecer un conocimiento profundo de los pueblos originarios, reconociendo distintas formas de creación en sociedades diversas y plurales como las que integran nuestra región.

La producción virreinal como herramienta educativa. 

Mtra. Fernanda Becerril Acevedo.

En México, la educación media superior necesita pensar una historia más significativa. Como profesora, lo que busco es plantear una estrategia de enseñanza a través de la historia del arte, donde el arte virreinal sea una herramienta para deshebrar el contenido histórico a través de la simbolización de los elementos compositivos de las obras. Se trata de repensar las relaciones culturales de Nueva España a partir de su representación plástica para profundizar en los factores que les dieron forma, a partir de un lenguaje sencillo, concreto y flexible que ayude a los alumnos a procesar información de manera creativa y concisa. Busco que estos cuadros se lean como lenguajes decodificables, para esto, debemos incluso replantear el discurso virreinal desde una mirada historizada. La historia del arte une las relevancias a través de significar ciertos símbolos para obtener relaciones sociales en varios niveles. Esto da como resultado prácticas culturales, aquellas que al manifestarse muestran “modelosdiscursivos y divisiones intelectuales propias a cada situación de escritura”, y esto genera un entendimiento social de las cosas. Por lo tanto, mi propuesta es llevar las prácticas culturales a las aulas, para lograr una formación más significativa y fundamentada en los ciudadanos futuros.

Apuntes para la enseñanza y usos pedagógicos de arte contemporáneo en contextos populares. 

Lic. Juan Carlos Rojas Martínez.

Esta ponencia aborda la necesidad de concebir el arte contemporáneo como una práctica de conocimiento que requiere mayor socialización y diálogo con sectores sociales no hegemónicos. La construcción y circulación de la esfera arte contemporáneoenfrenta barreras socioeconómicas, culturales y geopolíticas que limitan su democratización y sus posibles alcances como estrategia de conocimiento crítico en la sociedad del capitalismo tardío. Si se concibe el arte contemporáneo como una práctica que moviliza saberes y conocimientos estratégicos, se propone reflexionar sobre la importancia de diseñar acciones e intervenciones pedagógicas para la enseñanza formal y no formal de arte contemporáneo en contextos populares. Se plantea una visión transcultural y constructivista de dicho proceso con el objetivo no solo de fomentar la divulgación de los significados de esta visión y práctica artística; sino de utilizar la teoría y práctica de arte contemporáneo como instrumento pedagógico, en sí mismo, para socializar otros marcos de subjetividad. Desde este enfoque el arte contemporáneo opera como una herramienta de conocimiento que cumple una función pedagógica cuando transmite saberes que conscientemente pretenden intervenir sobre las relaciones de poder que atraviesan la dinámica de los contextos populares. 

Viernes 12 de julio

9:00—11:00 H AULA MAGNA SAN IGNACIO DE LOYOLA

Foro: Arte/educación, tecnología y otros medios

Coordina: Mtra. Angélica Cortés Lezama

En varias ocasiones hablar de los términos tecnología y otros medios en la educación del arte podría sugerir la presencia de artefactos que se visibilizan externos del arte, pero internos del aprendizaje; en este foro se revisarán desde su agencia vinculante a partir de la cual se propone la educación decolonial como un proceso, ya no individual, sino colectivo que se crea y desarrolla desde la comunidad, desplegando como acción primordial el aprendizaje en la sociabilidad.  El cuerpo, el tacto, el slam de poesía, la música, el mural, la narrativa de un país, se muestran como medios con un valor instrumental para la praxis pedagógica decolonial. Estos planteamientos se suman al cuestionamiento sobre la hegemonía visual que se aplica en la apreciación y educación del arte, y exponen diversas experiencias realizadas en espacios emergentes, como los de resistencia, la calle, los barrios, en las zonas rurales y en las marginales; espacios y prácticas que se proponen disruptivos frente a los tradicionales. 

Dibujo participativo y educación artística. El espacio público como aula interdisciplinaria: cuatro casos en México (2016-19).

Uryan Lozano.

Partiendo de que “el dibujar nos da pistas de donde estamo” y que al incorporar en este acto creativo a la sensopercepción entre dos o más personas; se puede afirmar que si se incluye la corporalidad en un proceso de dibujo colectivo en un contexto extramuros, se establece una oportunidad para investigar y cuestionar de primera mano, desde el propio cuerpo, los vínculos emocionales y psíquicos que unen a los que dibujan (artista, educador y alumno) con las problemáticas de su entorno próximo fomentando así un aprendizaje dialógico, incluyente y complejo. Además, se amplía el campo de acción de esta forma de dibujo al terreno de la educación artística, llevando dicha práctica a sitios como espacios públicos, zonas marginales y zonas rurales; entendiendo estos espacios como lugares de acción, encuentro y aprendizaje en los que se puede incidir recíprocamente. Bajo esta lógica, la presente ponencia expondrá cuatro proyectos interdisciplinarios en espacios públicos en México, y atisbará la conformación de una metodología con enfoque interdisciplinar para su futura apropiación.

Arte háptico para personas con discapacidad visual. 

Dr. Jorge Eduardo Zarur Cortés.

Las personas con discapacidad visual por su misma condición están apartadas de las obras artísticas, siendo su único acceso a éstas la descripción oral de algún tipo de guía. Para que estas personas conozcan las pinturas artísticas, la propuesta de los materiales hápticos, proveen información valiosa al discapacitado visual a través del tacto en movimiento, por lo que estos usuarios con la forma, la dimensión y la textura, logran generar imágenes mentales para el conocimiento de las obras. 

El acceso a los distintos escenarios de las manifestaciones artísticas por parte de las personas con discapacidad visual, se da a partir de propuestas de diseño de materiales y talleres, así mismo, con el rediseño de las instalaciones para estas expresiones eliminando obstáculos que funcionan como barreras físicas. Algunas instituciones de cultura, como el Comité Internacional Pro Ciegos de la Ciudad de México, cuentan con la infraestructura necesaria para poder recibir a gente con discapacidad como alumnos que son capacitados para integrarse al contexto social. Así mismo, entre otras actividades propias de la institución, se desarrollan encuentros artísticos en los que el dibujo y la pintura están ya al alcance de los discapacitados visuales.

Batida de poesia: os campeonatos de poesia como método de decolonização empírica. 

Juliana Correia.

Embora tenha nascido em Chicago, Estados Unidos, na década de 80 em uma estrutura mais restrita a certo grupo social no mesmo período que o Hip Hop ganhava força nas ruas e debatia os problemas sociais, as “batidas de poesia” – tradução literal de Poetry slams chega ao Brasil apenas nos anos 2000 e se torna uma das mais potentes expressões de arte e educação fora dos espaços tradicionais, quebra as características Estadunidenses e apresenta em sua constituição brasileira – desde o formato até os conteúdos poéticos – práticas decoloniais. Jovens se reúnem principalmente nas praças e nas ruas para transformar em rima a realidade nua e crua do racismo, desigualdade social e outros tipos de opressões advindas do processo de colonização sem, a maioria deles, ter acesso ao conhecimento histórico-escolar do que é viver em um país colonizado, muitas vezes, sem a conclusão do ensino básico. Mas com a impulsão que somente o empirismo pode proporcionar. A proposta da presente pesquisa é apresentar como a educação decolonial se dá através da arte das palavras em espaços deslegitimados para tal desenvolvimento através da experiência cotidiana dos próprios artistas e do público que busca acompanhar assiduamente estes artistas que percorrem por diversos lugares em competições.

AFROJAM-SP- Espaço de re-existência negra na cidade de São Paulo. 

Vinicius Nonato Campos de Souza.

No Brasil 54% da população é negra. No entanto, esta população é minorizada e, em vários âmbitos, considerada inexistente, sobretudo, em espaços e setores importantes da sociedade brasileira. O evento chamado Afrojam-SP é o encontro entre pessoas negras: artistas, músicos, musicistas, cantores e cantoras. Acontece no espaço físico chamado Lab Mundo Pensante localizado na rua 13 de maio, no Bixiga, bairro tradicional da cidade de São Paulo. Nesse evento um artista convidado apresenta seu show individual com quatro canções autorais e, em seguida, o espaço e instrumentos ficam disponíveis para uma improvisação coletiva entre os presentes no local. O bairro do Bixiga hoje conhecido por ser um bairro italiano, era a área do Quilombo do Saracura espaço de resistência negra na região central da cidade. Este encontro, de certa forma, traz à tona a memória apagada da presença negra na região, criando mais um espaço de sociabilidade afrodiaspórica no centro urbano de São Paulo. Este trabalho/relato de experiência tem como objetivo apresentar de que maneira uma organização coletiva composta por pessoas negras neste espaço não formal de educação realiza trocas de experiências artísticas, de afeto, de construção de conhecimento e identidade através da música. 

Territórios Possíveis: um mapa afetivo pintado por Miguel Alandia Pantoja. 

Mtra. Daniela Calvo Rodrigues Dionizio.

Miguel Alandia Pantoja, em seu mural Luta do povo por sua libertação, pintado em 1964 na cidade de La Paz, Bolívia, apresenta a construção de um território possível, percorrido pelo próprio artista durante sua vida. Em sua pintura está presente um mapa mental/afetivo, marcando na imagem uma paisagem que lhe era muito cara, pontuando a narrativa a partir de sua relação e experiência em seu próprio país.

O território, construído pelo artista, serve de pano de fundo para as personagens presentes no mural: um território que nos dá referências de alguns pontos específicos da paisagem boliviana, que serão de grande relevância para o entendimento da pintura. Uma pintura que destaca ações de grupos, ações coletivas. No mural, a luta pela libertação que se apresenta na narrativa de Pantoja está totalmente relacionada ao território boliviano e à sua história. Diversas camadas em uma pintura, um recontar da história vivida por aquele povo, um olhar de esperança para o futuro, em busca de libertação de todos os grilhões impostos pela exploração desenfreada de matéria prima, pela dominação dos corpos e do território. Um mural que se resume em duas palavra: luta e resistência.

11:30 — 12:30 H AULA MAGNA SAN IGNACIO DE LOYOLA

Conferencia magistral 

Arte y educación: relación desde los museos

Dra. Valeria Sánchez Michel (Ibero, México) 

En la actualidad, uno de los problemas centrales en materia de política educativa es el cómo se motiva a los alumnos para aprender y para que encuentren relevante el conocimiento que adquieren. En la ponencia se reflexionará sobre el papel trascendental que juegan los museos como lugares donde la experiencia es un factor central que puede incidir de forma positiva y ser detonante para fortalecer los procesos de enseñanza aprendizaje.

12:30- 13:30 H AULA MAGNA SAN IGNACIO DE LOYOLA

Conversatorio de clausura: Percepciones sobre el congreso, dibujos para el futuro

Moderadores: Dra. Luisa Durán y Casahonda Torack y Mtro. Sidiney Peterson Ferreira de Lima

Semblanzas

Abdel Aloysius Aguirre Porras

Licenciado en Psicología por la Universidad del Valle de México (UVM), en donde realizó prácticas profesionales en el Centro de Desarrollo Estudiantil y Comunitario (CDEC), dando asesoría académica a niños en primaria de comunidades rurales de la localidad. Posteriormente, prestó servicios como practicante brindado apoyo personalizado a estudiantes de educación especial. Dicha actividad le llevó a dedicarse a la docencia por 4 años a nivel preparatoria, impartiendo clases en todos los niveles, así como participando en la coordinación de eventos, donde también fue coordinador del área de Servicios Escolares. Actualmente estudia la maestría en Estudios de Arte en la Universidad Iberoamericana, en la línea de investigación de Arte y Educación.

Adriana Melchor Betancourt

Estudió la licenciatura en la Universidad Iberoamericana y es maestra por la Universidad Nacional Autónoma de México, ambos grados en Historia del Arte. Su trabajo investiga las relaciones entre la imagen, movimiento y el sonido, las prácticas de archivo en el arte y la historia de las exhibiciones. Ha colaborado para publicaciones académicas y de difusión dedicadas al arte contemporáneo de entre las cuales destacan: Nierika Revista de estudios de arte, Ediciones Transversales, Caín, La Tempestad, Código, Blog de Crítica y Gastv. Entre sus proyectos curatoriales se encuentran Mapas en construcción Colecciones públicas de arte contemporáneo 2009-2017 (2017), para La Tallera y Fonosistemas Hacia la portabilidad del sonido/(2012), para Archivo, Diseño y Arquitectura. Actualmente es curadora en la Sala de Arte Público Siqueiros y docente en la Universidad del Claustro de Sor Juana.

Alma Angélica Cortés Lezama

Actualmente realiza el Doctorado en Historia y Teoría Crítica del Arte. Es maestra en Estudios de Arte y Licenciada en Ciencias de la Comunicación. Su línea de investigación y trayectoria profesional están enfocadas en la utilización del sonido como recurso narrativo dentro de la práctica artística y comunicativa.Es autora de El sonido narrativo intervenido por la tecnologíapublicado en Im/pre-visto. Narrativas Digitales por la Universidad Iberoamericana, Planeta Ariel y Fundación Telefónica.  

Ha colaborado en la gestión de proyectos radiofónicos en las áreas de cultura, arte, educación y comunicación para diferentes instituciones públicas y universitarias; en la planeación, diseño y aplicación de proyectos educativos para museos; y en la producción, guión, musicalización y conducción de series culturales y noticiarios. Ha trabajado para inSite Casa Gallina, Fundación Jumex Arte Contemporáneo, Radio Educación, Cineteca Nacional, Radio INAH, Radio UNAM y Código DF.

 Su trabajo en colaboración ha sido distinguido con el primer lugar en la III Bienal Internacional de Radio en la categoría de programa musical; y el tercer lugar en la VI Bienal Internacional de Radio en la categoría de Feature.

Ha realizado estancias de investigación en la Universidad Autónoma de Madrid y en el Festival de Arte Sonoro Tsonami. En 2008 fue seleccionada para ser jueza en el Prix Europa-Berlín, siendo la única delegada de Latinoamérica en la historia de este festival.

Almudena Caso Burbano

Es Licenciada Artes Fotográficas por la Universidad de Westminster (Reino Unido), Master en Gestión Cultural por la Universidad de Valencia (España) y Master en Educación Artística por School of the Arts Institute of Chicago. Ha sido galardonada con la beca de posgrado de la Obra Social La Caixa y Pritzker Graduate Fellowship.

Almudena Caso ha diseñado e implementado programas de arte y educación en museos y organizaciones sin fines de lucro. Ha dirigido proyectos de arte comunitario en colaboración con instituciones culturales y educativas en España, Reino Unido, y Nicaragua. Almudena trabaja como consultora y formadora en el diseño e implementación de proyectos de arte participativo y socialmente comprometido con educadores, artistas, gestores culturales, e investigadores. Ha trabajado como curadora en España, Australia y los Estados Unidos y es autora del proyecto de investigación civicmuseums.com.

Almudena Caso ha adquirido su experiencia trabajando en el Sullivan Galleries en School of the Arts Institute de Chicago, Tate Modern, The Arts Institute of Chicago, The Challenge Network, y CaixaForum. Asimismo, ha colaborado con la Universidad de Barcelona, Universidad de Zaragoza, Universidad de Staffordshire, Obra Social La Caixa, La Casa Encendida, Fundación ONCE, e Intermediae / Matadero Madrid, entre otros.

Ana Mae Barbosa

Ana Mae Barbosa fez Pós-Doutorado na Universidade de Columbia e Universidade de Central England, Doutorado na Universidade de Boston e Mestrado na Universidade de Connecticut. Ensinou na Universidade de Yale e na The Ohio State University Tem 22 livros publicados. Recebeu vários prêmios nacionais e internacionais por suas pesquisas, a Ordem Nacional do Mérito Cientifico e a Ordem Nacional do Mérito Cultural. Foi presidente da INSEA e da ANPAP e consultora da OEI. É professora dos Mestrados e Doutorados do CAP/USP e da Pós-Graduação em Artes, Design e Novas Tecnologias da Universidade Anhembi Morumbi.

Azucena Meza Uscanga

Es Maestra en Estudios de Arte por la Universidad Iberoamericana y Licenciada en Ciencias de la Comunicación por la Universidad Cristóbal Colón, con Especialidad en Políticas Culturales y Gestión Cultural por la Universidad Autónoma Metropolitana-Iztapalapa. Actualmente es doctorante del programa en Comunicación de la Universidad Iberoamericana, que cursa con el apoyo de la beca CONACYT y de la beca de Excelencia Académica Ibero. Ha participado en distintos proyectos culturales públicos y privados, como la Galería Veracruzana de Arte, el CONACULTA y el Instituto Veracruzano de la Cultura. En la Universidad Iberoamericana, ha colaborado con el Programa de Género e Inclusión y en el grupo de investigación “Los impresos de los siglos XVII al XIX en la cultura visual mexicana moderna y contemporánea: nuevas visiones y aproximaciones científica”, del Departamento de Arte; ha realizado estancias académicas en La Ceiba Gráfica (Coatepec, México) y en el Instituto de Estudios de Ocio (Bilbao, España). Azucena es fundadora y coordinadora general del Observatorio de Arte y Cultura, proyecto que analiza las políticas culturales en México.

Brenda Cecilia Ojinaga Zapata

Licenciada en Historiadora del Arte por la Universidad Iberoamericana, y en proceso de titulación de la maestría en Estudios Latinoamericanos por la Universidad Nacional Autónoma de México. En 2011 colaboró con el Museo Textil de Oaxaca, en la comunidad de Santo Tomás Jalieza, Oaxaca con una investigación sobre la creación de la memoria colectiva a través de la elaboración de tejidos tradicionales. De 2012 a 2017 fue coordinadora del área de investigación del Centro de Textiles del Mundo Maya, en San Cristóbal de Las Casas, Chiapas, siendo responsable del control y conservación de las colecciones de textiles y objetos, y llevando a cabo investigaciones de archivo y de campo, a partir de entrevistas a investigadores, artesanos y tejedoras de diversas comunidades artesanas de Los Altos de Chiapas. 

En 2018 realizó una estancia de investigación académica en la Pontificia Universidad Católica del Perú, y en la comunidad de Chinchero, en Cusco, Perú.

Sus temas de interés giran en tornos al tejido como medio para profundizar en la existencia de una historia femenina narrada a través del trabajo creativo, la memoria y la historia oral, y la inclusión de estas voces dentro de diversas exposiciones y estudios de arte textil y popular.

Carlos Escaño

Profesor de la Universidad de Sevilla, doctor en Bellas Artes (1999) por esta universidad y doctor por la Universidad Nacional de Educación a Distancia – UNED (2017) en el campo de conocimiento de la educación y la comunicación en entornos digitales. Asimismo, dentro de su formación hay que subrayar su paso por la Escuela Internacional de Cine y Televisión de San Antonio de los Baños, Cuba (2019). 

Docente e investigador vinculado a la educación artística, trabajando en la intersección de las artes y la cultura digital bajo un enfoque pedagógico crítico y orientado hacia la transformación social. 

Su trabajo artístico está relacionado con el campo audiovisual destacando sus obras Contramarea(2016) o El hombre sin la cámara(2012), documentales exhibidos en foros nacionales e internacionales. Dentro del trabajo académico cabe resaltar su actividad como coordinador y coautor de los libros Lo que no se ve no existe. Artes, imagen y educación para el desarrollo(2019) y La Otra Educación. Pedagogías Críticaspara el siglo XXI (2018). Finalmente, también se señala su papel de coordinador de proyectos de cooperación internacional como “Educación Artística y Desarrollo Humano” (2015-2018), desarrollado en India entre la Fundación Vicente Ferrer y la Universidad de Sevilla.

Cristina Torres Valle

Cristina Torres (México, 1989) es historiadora del arte de formación, investigadora, artista, curadora y educadora en arte contemporáneo. Ha colaborado con iniciativas independientes y museos de arte de la Ciudad de México como el Museo Nacional de Arte, el Museo Tamayo Arte Contemporáneo, el Museo Jumex, el Museo Internacional del Barroco e InSite Casa Gallina en el desarrollo de prácticas de aprendizaje experimental. Su investigación artística explora las relaciones intermedias entre el dibujo, el textil y el ensayo para abordar la escritura en sus dimensiones política, afectiva y estética.

Daniela Calvo Rodrigues Dionizio

Formada em História pela Universidade de São Paulo (USP), especialista  em História, Cultura e Sociedade pela Pontifícia Universidade Católica de São Paulo (PUC-SP) e Mestra em História da Arte pela Universidade Federal de São Paulo (UNIFESP), atua com educadora patrimonial em museus e na área de arqueologia desde 2006, sendo esse percurso, tanto pela educação não formal , quanto pelos estudos acadêmicos,  uma busca para olhar os contextos latino americanos.

Edgar Ariel Corona Olvera

Maestro en Docencia para la Educación Media Superior por la UNAM y especialista en Literatura Mexicana del Siglo XX por la UAM-Azcapotzalco. Es egresado de la licenciatura en Educación con especialidad en Español por la Escuela Normal Superior de México. Ha realizado diplomados, talleres y seminarios en Enseñanza de las Artes, Educación estética, Fomento a la lectura, Teatro, Expresión corporal, Danza Butoh e Improvisación de contacto. Interesado en las relaciones del arte con la literatura desde una perspectiva didáctica, ha colaborado en la elaboración y capacitación para la formación continua de profesorado y, desarrollado proyectos de teatro con jóvenes de educación secundaria. Desde 2003 ha sido profesor de lengua en distintos niveles educativos y actualmente profesor de asignatura en el Colegio de Letras hispánicas en la UNAM. Sus proyectos de investigación actuales se encuentran en el campo de la didáctica de la literatura a través de procesos artísticos y la dramaturgia para niños y jóvenes. 

Eréndira Derbez Campos

Es historiadora del Arte en la Universidad Iberoamericana donde actualmente es Asistente para el Fortalecimiento Académico de la licenciatura y cursa la maestría en Estudios de Arte en la línea de Arte Mexicano. De forma paralela hace ilustración para el estudio de diseño Plumbago en el que ha trabajado con distintas editoriales, medios impresos y marcas, entre estos El Espectador de Colombia, la Revista Chilango organizaciones como GIRE, Planned Parenthood Internacional, Sistema Jesuita de Refugiados y ha cursado estudios de diseño en Escola Massana de Barcelona.

Ha publicado trabajo periodísticos en medios como Ibero 909, Así como suena, Radio Nederland Internacional,  Animal Político, entre otros y  fue compilada en el libro Estamos de Pie, Planeta, 2017. Ha trabajado temas de arte y educación con jóvenes migrantes de primera o segunda generación en Chicago a través de la universidad de Loyola en colaboración con Catholic Charities. Actualmente sus estudios se centran en fundación de la Galería de Arte Mexicano durante el cardenismo y trabaja temas sobre género, arte y política.

Fernanda Becerril Acevedo

Gerencia y responsable del Departamento de Antigüedades. Morton Subastas, 2013 – 2019 (mayo). Maestría en Historia, Universidad Iberoamericana – CONACYT, 2011- 2013. De la Etnografía a la Historia del Arte: De cómo los “Cuadros de mestizaje” se convirtieron en “Pintura de castas”. Arqueología de un término, del siglo XIX al siglo XXI’. (Mención honorífica). En proceso de publicación. Licenciatura en Historia del Arte, Universidad Iberoamericana, Ciudad de México, 2005-2009. Tesina: La pintura de castas “una perspectiva de mercado”. Investigación y relación sobre el mercado del arte de los siglos XVII y XVIII de Europa en general, España y Nueva España y su injerencia en el gusto, producción y recepción de la Pintura de castas. Investigación y relación desde la perspectiva antropológica y la noción de “Ilustración” de dicho periodo. Breve estudio de mentalidades de la época.

Francisco Antonio Escorza Espinosa

Francisco Escorza es Licenciado en Filosofía y Humanidades por la Universidad Autónoma de Nuevo León y Maestro en Estudios de Arte por la Universidad Iberoamericana. Ha trabajado y desarrollado proyectos en áreas educativas de museos de arte de Monterrey y la Ciudad de México. Sus investigaciones se han centrado en los problemas de interpretación de obras de arte contemporáneo y las formas de generar diálogos críticos dentro de las instituciones. Actualmente se ha enfocado en el cruce entre los problemas de estética, educación y política. Desde el 2017 es responsable del área de Comunicación Educativa de Museo Soumaya.

Hugo Enrique Vázquez Morales

Licenciado en Arte por la Universidad del Claustro de Sor Juana. Maestro en Estudios de Arte por la Universidad Iberoamericana. En mayo del 2014 realizó una estancia de investigación en el departamento de Didáctica de la Expresión Plástica de la Universidad Complutense de Madrid, bajo la tutela de la Dra. María Acaso. Desde el año 2008 forma parte del plantel docente de la Escuela de Iniciación Artística Número 4 del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL), donde funge como profesor de múltiples asignaturas en las áreas de artes plásticas, teatro y música. Desde el segundo semestre del año 2016 se desempeña como docente de asignatura en el departamento de Arte de la Universidad Iberoamericana campus Ciudad de México. Ha participado como académico en diversos foros y centros educativos como la Universidad del Claustro de Sor Juana, Universidad iberoamericana, Museo Tamayo, entre otros. Actualmente realiza sus estudios de Doctorado en el programa de Política de los Procesos Socioeducativos en la Universidad Pedagógica Nacional.

Ivonne Lonna Olvera

Es diseñadora gráfica y Doctora en Letras Modernas. Académica del Departamento de Arte de la Ibero Ciudad de México. Investigadora de narrativas gráficas. Experta en diseño editorial. Curadora de exposiciones como “Metanarrativas. Arte, diseño y tecnología” en el Museo Franz Mayer y Radio Educación y “Layout México. Narrativas de la inconformidad” en el Centro de Exploración y Pensamiento Crítico. Conferencista nacional e internacional. Autora del libro “El libro álbum. Lecturas desde el diseño” (2017). Miembro del Consejo Consultivo de la Revista Economía Creativa de Centro de Diseño, Cine y Televisión, en donde también es profesora de la licenciatura de Mercadotecnia y Publicidad, de la Maestría en Estudios de Diseño y la Especialidad Diseño del Mañana. Articulista en la Revista Código (Arte-Arquitectura-Diseño)

Jorge Eduardo Zarur Cortés

Tiene un Post Doctorado en Derechos Humanos y Democracia por el CENID-CONACyT. Es Doctor en Ciencias y Artes para el Diseño por parte de la UAM-Xochimilco. Tiene Maestría en Artes Visuales por la UNAM. Es profesor en la UAEM. Tiene publicaciones de libros, capítulos de libros, artículos de revistas. Es ponente y tallerista en foros nacionales e internacionales. Obtuvo la “Nota Laudatoria” por la Mayor Productividad Académica y de Investigación en el CU UAEM Zumpango. Obtuvo la Medalla al Mérito Universitario como Mejor Estudiante del Programa de Doctorado CyAD en la UAM-Xochimilco. Fue Segundo Lugar Nacional en el Concurso de Investigación Científica de Discapacidad por la Comisión de los Derechos Humanos de la Cd. de México y la UNAM. Obtuvo el Segundo Lugar Nacional y Mención Honorífica en el Concurso de Mobiliario en Madera por Rústicos SEGUSINO, CIDI-UNAM, BANCOMEXT y la Revista “De Diseño”. Fue merecedor del Reconocimiento Nacional a la Trayectoria y Excelencia como Modelista por Instituto de Investigaciones Históricas y Modelismo a Escala IIHME. Ha obtenido diversos premios en la Plastic Modellers’ Society de Puebla, Cd. de México, Veracruz, y Morelos. Ha ganado diversos premios en el ámbito de las artes plásticas. Es autor de la propuesta de Materiales hápticos para la discapacidad visual. Actualmente, la UAM-Xochimilco publica su tesis de Doctorado a manera de libro como reconocimiento a la labor de investigación.

Juan Carlos Rojas Martínez

Licenciado en Antropología Social por la UAM-I y maestrante en Ciencias Sociales y Humanísticas en el Centro de Estudios Superiores de México y Centroamérica, de la Universidad de Ciencias y Artes de Chiapas. Profesor universitario, escribe la columna cultural Intersticios para el diario Contraréplica. Ha cursado diversos seminarios y cursos especializados sobre arte contemporáneo, entre ellos:  Zonas de disturbio, coordinado por Mariana Botey y Arte contemporáneo desde América Latina, por el CENART. Actualmente trabaja su investigación de maestría sobre la construcción popular de prácticas de arte contemporáneo en Chiapas. 


Katherine Ávalos Parra

Licenciada en Teoría e Historia del Arte en la Universidad de Chile. Integra la Unidad de Educación del Museo de Arte Contemporáneo de Santiago desde el 2013, desempeñándose actualmente como Coordinadora.  Ha investigado sobre la escena artística chilena en dictadura y sobre los cruces entre arte y pedagogía en la educación formal y no formal.

Laura Irene González Gómez

Doctorante en Historia y Teoría Crítica del Arte (UIA), Maestra en Estudios de Arte y Licenciada en Historia de México, su tema de investigación versa sobre la historia crítica de la educación artística en México. Docente en diversos niveles educativos por más de doce años y perito valuador de obra de arte de manera independiente. Ha participado en diversos foros de investigación, conferencias e impartición de cursos. Actualmente dirige UH Soluciones con Arte, sociedad civil centrada en la educación a través del arte, de la cual es su fundadora.

Leda Maria de Barros Guimarães

Pos-Doctora en Arte/educación por la Universidad Complutense de Madrid (2013). Doctora en Arte Educación por la Universidad de São Paulo (2005). Maestra en Educación por la Universidad Federal de Piauí (1995). Graduada en Educación Artística por la Facultad Armando Alvares Penteado – São Paulo en 1985. Actualmente es Coordinadora del Programa de Pos-Grado (maestría y doctoramiento) en Arte y Cultura Visual de la Facultad de Artes Visuales y profesora en las Licenciaturas de Artes Visuales de la UFG. Como investigadora,  se dedica a temas que buscan transversalidad con la formación de maestros para el campo de las artes visuales con cuestiones de dislocamientos culturales, con las artes y las culturas populares en su amplitud conceptual y en la diversidad de manifestaciones no hegemónicas invisibles en los roles curriculares que hacen parte de la formación docente. Ha presidido la Federación de los Arte/educadores del Brasil (FAEB) (2018-2019) y ha participado como representante de América Latina en el Consejo Mundial de la International Society of Education through Arts (InSEA) 

Luis Manuel Montes Serrano

Maestro en Estudios de Arte por la Universidad Iberoamericana. Doctor en Pedagogía por la Universidad Popular Autónoma del Estado de Puebla. Ha trabajado como docente en el Departamento de Desarrollo e Información artística de Televisa. Cuenta con una amplia experiencia de trabajo como director de escena y como profesor de Comunicación y Cultura y Lenguaje Teatral. Es Director de Asuntos Académicos del Instituto Nacional de Bellas Artes. 

Luisa Durán y Casahonda Torack

Es Doctora en Historia, Maestra en Estudios de Arte y Licenciada en Historia del Arte por la Universidad iberoamericana; cuenta también con estudios en filosofía, ciencias religiosas y estudios medievales. En la actualidad es coordinadora de la Licenciatura en Historia del Arte y de la línea en Arte y Educación del Departamento de Arte. Su especialidad es la cartografía medieval.

María José Gutiérrez Padilla

Licenciada en Pedagogía por la UNAM, Maestra en Estudios de Arte por la Universidad Iberoamericana.  Se ha desempeñado como parte del equipo de Servicios Educativos en diversos museos y ha colaborado en diversos proyectos culturales y patrimoniales. Actualmente se integra como miembro del grupo de investigación “Los impresos de los siglos XVII al XIX en la cultura visual mexicana moderna y contemporánea: nuevas visiones y aproximaciones científicas”; así como del Observatorio de Arte y Cultura. Asimismo, se desempeña como docente Artes visuales en el nivel medio y medio superior.

Maria das Vitórias Negreiros do Amaral

Pós-Doutora em Arte/educação e Feminismo pelo Instituto de Investigaciónes Feministas de la Universidad Complutense de Madrid (2012). Doutora em artes pela Universidade de São Paulo (2005). Mestre em Antropologia pela Universidade Federal de Pernambuco (2000). Graduada em Educação Artística pela Universidade Federal de Pernambuco (1987). Atualmente é Coordenadora do Programa Associado de Pós-Gradução em Artes Visuais UFPE/UFPB e professora do curso de Artes Visuais da UFPE. É Vice-Líder do Núcleo Interdisciplinar de Estudos e Pesquisas sobre o Imaginário. Tem experiência na área de Artes, com ênfase em arte/educação, atuando principalmente nos seguintes temas: arte/educação, gênero, cultura, educação e antropologia do imaginário. Foi Presidente eleita da Federação de Arte/educadores do Brasil (FAEB) (2013-2015), da International Society of Education through Arts (InSEA) e da Red Iberoamericana de Representaciónes y Imaginários (RIIR).Co-autoria com Ana Mae Barbosa do livro: Mulheres não devem ficar em silêncio: Arte, Design, Educação, São Paulo: Editora Cortez, 2019.

María Eugenia Rabadán Villalpando

Doctora en Historia del Arte, Universidad Autónoma del Estado de Morelos; Licenciada en Historia del Arte, Universidad Iberoamericana Ciudad de México. Profesora Titular, Universidad de Guanajuato. Integrante del Sistema Nacional de Investigadores, CONACYT. Coordina el Doctorado Interinstitucional en Arte y Cultura PNPC; Secretaria Técnica del DIAC (2014-2019). Entre sus artículos indexados: La estructura de las revoluciones científicas según Thomas Kuhn en el análisis de la historia del arte.Arbor. Consejo Superior de Investigaciones Científicas de España, 2017.  Coordina Diversidad metropolitana. Arte, ciudad y posmetrópoli. Universidad Autónoma Metropolitana, UAM-A, Ciudad de México, 2017. Curadora de exposiciones para el Museo Nacional de la Estampa, México; Museo Nacional de Hungría; Museo de Arte Moderno, Cartagena de Indias, Colombia; Bentely Projects, Bentley Gallery, EU. Imparte cursos desde 1988 sobre teorías y metodologías del arte, historia del arte moderno y contemporáneo, historia del arte en Latinoamérica, cultura visual, museografía y curaduría. Ha estudiado las colecciones del Museo Tamayo Arte Contemporáneo, Museo Nacional de la Estampa, Instituto de las Artes Gráficas de Oaxaca, estampa europea Manuel Álvarez Bravo. Dirigió en Estados Unidos de Norteamérica Bentley Gallery y Bentley Projects (2007-2009); en México ha trabajado  en el Museo Nacional de la Estampa CONACULTA/INBA (2000-2007) y la Subdirección de Artes Visuales en la Secretaría de Relaciones Exteriores (1994-2000)

María Fernanda Álvarez Gil

Estudió escultura en la ENPEG “La Esmeralda”, del Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA), cursó la maestría en Historia del arte en la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), así como el doctorado en Artes y Diseño en la misma institución, de la cual se graduó con una investigación teórico-práctica sobre educación artística en infancias indígenas urbanas y rurales socialmente vulnerables. Ha tomado varios diplomados sobre fotografía, educación artística en el nivel básico y medio-superior y terapia de arte impartidos en diferentes instituciones como el CENART del INBAL, el Gobierno de la Ciudad de México, el Centro Integral de Terapia de Arte y ha cursado varios seminarios sobre etnografía educativa y trabajo social en la misma UNAM. Ha expuesto su trabajo creativo en diferentes espacios culturales y ejercido la docencia del arte desde hace más de quince años en poblaciones de diversas edades, ámbitos y contextos, desde educación básica hasta educación superior, así como realizado diseño curricular en el área artística con una perspectiva transversal e interdisciplinaria. Actualmente realiza una estancia posdoctoral en el Departamento de Educación de la Universidad Iberoamericana CDMX con un proyecto de investigación que continúa en la línea de educación artística e infancias indígenas.

María Luisa Gámez Tolentino

Doctoranda en Estudios Latinoamericanos (campo de conocimiento: Cultura) UNAM, con el proyecto;  Mirada, cuerpo e imagen,entre orgullos y congas, Ciudad de México y La Habana Cuba [Una investigación visual basada en la Fotografía]. Asimismo, me desempeño como docente por asignatura en la Facultad de Artes y Diseño (UNAM). Realicé la maestría en artes visuales (orientación en diseño y comunicación visual) UNAM y las licenciaturas en derecho y artes plásticas (opción gráfica, sub-opción diseño gráfico), ambas por la Universidad Veracruzana. Soy integrante de “Derecho, Affidamento y Sororidad” DAS, Asociación Civil, “La Colectiva Cuerpos a pie de calle” grupo interdisciplinario, Estudios Avanzados del Cuerpo CEIICH-UNAM E ICDAC-FAD-UNAM.

He participado y realizado exposiciones colectivas e individuales, nacionales e itinerantes en el extranjero. Asimismo, estoy configurando el proyecto Cartas fronterizas, retomando la labor de Gloria Anzaldúa. Una “mezcla” entre imagen y palabra, para explorar otras rutas al texto duro. A nivel docente, trabajo en una organización de ideas en torno al instrumento Cómo hacer ver, para documentar una metodología aúlica.

María Sicarú Vásquez Orozco

Es licenciada en Historia del Arte (2013), maestra en Estudios de Arte (2018) y doctoranda en Historia y Teoría Crítica del Arte por la Universidad Iberoamericana. Ha colaborado como registradora en el Museo Nacional de Arte y como gestora cultural en organizaciones privadas. A partir de su formación dancística, ha desarrollado investigaciones en torno a la relación entre la danza, la Historia del Arte y los museos. Ha realizado estancias de investigación en The City College of New York, La Ceiba Gráfica y diferentes acervos en México. Forma parte del grupo de investigación Los impresos de los siglos XVII al XIX en la cultura visual mexicana moderna y contemporánea: nuevas visiones y aproximaciones científicas del Departamento de Arte de la Universidad Iberoamericana y de la red de investigación Observatorio de Arte y Cultura.

Mariana Chávez Lara

Egresada Cum Laude de la Escuela Superior de Música, Mariana Chávez Lara realizó estudios en flauta transversa y traverso barroco.

A principios de 2012 fue seleccionada para participar en una residencia en la ciudad de Nueva York, con The Academy -programa del Carnegie Hall, de Juilliard School, del Departamento de Educación del Estado de Nueva York y del Weill Music Institue- que busca no sólo construir carreras de altos niveles en músicos jóvenes, sino también, la creación de iniciativas artísticas con un fuerte compromiso social y educativo.

Además de participar en importantes orquestas y ensambles del país como la Capella Barroca de México, Orquesta del Estado de Hidalgo, Ensamble Raga, entre otros; a la par ha realizado trabajo de logística, gestión y producción para diversos festivales de música y para el canal de televisión Capital21. 

Actualmente se encuentra haciendo la maestría en Estudios de Arte en la Universidad Iberoamericana dentro de la línea de investigación de Arte y Educación.

Maristela Sanches Rodrigues

Graduada em Educação Artística (Habilitação em Artes Plásticas) e em Oceanografia (Habilitação em Oceanografia Biológica); Especialização em Psicopedagogia (Estudos em Desenho Infantil); Mestrado em Artes (Área de Artes Visuais); Doutorado em Artes (Área de Arte e Educação). Professora de Arte há vinte e cinco anos na Educação Básica e no Ensino Superior, nas redes públicas e privadas dos Estados de São Paulo e Minas Gerais (Brasil); atual professora do Instituto Federal de São Paulo, nas áreas de Arte, Desenho e Plástica, em cursos Técnicos, Tecnológicos (Ensino Médio e Design de Interiores) e na Licenciatura em Pedagogia. Artista Plástica com produção nas áreas de Desenho, Colagem e Fotografia. Pesquisas acadêmicas nas áreas de: Formação Docente, Currículo, Mediação Arte/Público e Desenho.

Marit Dewhurst

Dr. Marit Dewhurst is the Director of Art Education and Associate Professor of Art and Museum Education at The City College of New York. She has worked as an arts educator and program coordinator in multiple arts contexts including community centers, museums, juvenile detention centers, and international development projects. Her research and teaching interests include social justice education, community-based art, youth empowerment, and the role of the arts in community development. In addition to multiple journal articles and chapters, her first book, Social Justice Art: A framework for activist art pedagogy highlights young activist artists. Her second book, Teachers Bridging Difference: Exploring identity through art describes how educators can use art as a tool to connect people across different sociocultural identities.

Marycarmen Arroyo M.

Originaria de Mexicali, Baja California. Actualmente estudia el Doctorado en Artes en el Instituto Nacional de Bellas Artes. Ha expuesto a nivel nacional e internacional. Obtuvo premios de adquisión en la 5ta Bienal Puebla de los Ángeles y Bienal Nacional MIRADAS 2008. Su obra ha sido seleccionada en diversas bienales nacionales e internacionales obteniendo mención honorifica por la Revista Cuartoscuro.

En el área académica sus investigaciones han participado en varios congresos como en el 10mo Congreso Internacional sobre Educación Superior en La Habana, II Congreso Cultura en América Latina, Primer Seminario Internacional sobre Espacio Público organizado por la Facultad de Arquitectura y la Facultad de Filosofía y Letras de la UNAM y el IV Congreso Internacional y VI Congreso Iberoamericano de Narrativas Audiovisuales de la Red INAV en Buenos Aires, Argentina.

Actualmente es docente de tiempo completo en la Licenciatura en Artes Plásticas y Coordinadora de Formación Profesional en la Facultad de Artes de la Universidad Autónoma de Baja California. Desde 2015 trabaja junto con sus estudiantes en un proyecto de arte y desarrollo humano con la población femenil del CERESO de Mexicali llamado Ave Fénix.

Nora Karina Aguilar Rendón

Nora Karina Aguilar Rendón es Doctora en Diseño por la Pontificia Universidad Católica de Río en Brasil (PUC RÍO), Maestra en Estudios de Arte y Licenciada en Diseño Gráfico, ambas por la Universidad Iberoamericana Ciudad de México.  

Desde 1992 se desempeña como diseñadora en proyectos de diseño y publicidad, posteriormente fue directora de su propia agencia de diseño, en la que desarrolló imagen corporativa, manuales de identidad gráfica y publicidad con cuentas internacionales. Actualmente brinda consultoría de diseño de imagen e identidad visual para personas y empresas. Es ilustradora y artista gráfica.

Desde 1995 labora en educación superior con reconocimiento por su desempeño sobresaliente. Es académica de tiempo completo en el Departamento de Diseño la Universidad Iberoamericana, donde fue coordinadora de la Licenciatura de Diseño Gráfico (2004-2007). Actualmente, es consejera técnica en la Licenciatura de Indumentaria y Moda y consejera académica del departamento. Fue consejera del examen EGEL a nivel nacional de Diseño Gráfico. Su tema de investigación doctoral trata sobre el dibujo, el bocetaje, las competencias y habilidades del pensamiento visual.

Rejane Galvão Coutinho

Doctora en Artes y profesora del Instituto de Artes de la Universidad Estadual Paulista/UNESP, donde participa en el curso de Artes Visuales, en el Programa de Postgrado en Artes, y actualmente es coordinadora del Máster Profesional en Artes – Profartes – del IA/UNESP. Es miembro del Grupo de Investigación sobre Imagen, Historia y Memoria, Mediación, Arte y Educación – GPIHMAE, UNESP / CNPq y ha publicado artículos en periódicos y libros sobre: historia de la enseñanza de artes en Brasil; formación de educadores mediadores y la cuestión de la educación en museo.

Rosa María Guadalupe Rivera García

Es maestra en Desarrollo Educativo en la línea de Educación Artística de la Universidad Pedagógica Nacional en convenio con el Centro Nacional de las Artes. Como parte de su formación en la maestría, realizó una estancia de investigación en la Universitat de Girona, España. Estudió la licenciatura en Pedagogía en la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad Nacional Autónoma de México y tiene dos diplomas en educación artística: “Diplomado Interdisciplinario para la enseñanza de las artes en la educación básica” (2013) y el “Diplomado de Educación Estética: Transformando la Práctica Educativa” (2015), ambos en la Ciudad de México.

Fue docente de la asignatura “Introducción a la pedagogía y a la didáctica” en la Escuela Nacional de Arte Teatral. Ha impartido diferentes cursos enfocados a la formación de profesionales del arte en escuelas de danza y para docentes interesados en incursionar en la educación en línea. Actualmente cursa el Doctorado Ciencias en la especialidad de Investigaciones Educativa en el Centro de Investigación y Estudios Avanzados del Instituto Politécnico Nacional y es docente del Diplomado Interdisciplinario para la Enseñanza de las Artes en la Educación Básica del Centro Nacional de las Artes.

Samuel Hernández Dominicis

Licenciado en Historia del Arte por la Universidad de La Habana, Cuba (2011). Se ha desempeñado como crítico de arte y curador durante los últimos años. Ha realizado exposiciones personales y colectivas en diversas regiones entre las que se destaca recientemente La mística del Cuerpo, muestra de arte iberoamericano presentada en el Museo Nacional de Arte, La Paz, Bolivia. Miembro de la Asociación Internacional de Críticos de Arte (AICA), textos suyos han aparecido en revistas nacionales e internacionales. Nierika, Revista de Estudios de Arte, No. 7 año 14, julio – diciembre de 2018, acogió el último de ellos. Ha dictado conferencias en distintas universidades y ha participado en eventos sobre arte en diversos espacios, entre los que se destacan los de la Asociación de Estudios Latinoamericanos (LASA). En fechas recientes participó en el V Seminario Internacional sobre Arte Público en Latinoamérica: Intervenciones Estético Políticas en el Arte Público Latinoamericano, el VIII Coloquio Universitario de Análisis Cinematográfico y la Conferencia Medios y Comunicación en Cuba: tensiones, desafíos y posibilidades. Se ha desarrollado como docente de Historia del Arte en escuelas de arte y universidades de Cuba y México y actualmente se encuentra culminando sus estudios de maestría en Estudios de Arte.

Sidiney Peterson Ferreira de Lima

Doutorando, em Artes, pelo Instituto de Artes -UNESP – Área de Concentração de Arte e Educação (ingresso em 2016), com Bolsa FAPESP; Mestre em Artes pela mesma instituição (2014), sendo bolsista CAPES; Licenciatura em Pedagogia pela Unidade Acadêmica de Garanhuns / Universidade Federal Rural de Pernambuco (2010). Diretor de Relações Internacionais da Federação de Arte/Educadores do Brasil (biênios 2017/2018 – 2019-2020). Participa de pesquisas e estudos nos grupos: Grupo de Estudo e Pesquisas sobre Imagem, História e Memória, Mediação, Arte e Educação (GPIHMAE); Grupo de Pesquisa Arte na Pedagogia (GPAP). É membro fundador e representante no Brasil do Centre de Recherche d’Éducation artistique et Société (CREAS). Tem desenvolvido pesquisas com foco na História do ensino de Arte e formação docente, em arte, no Brasil e América Latina. É organizador do livro “Arte e Pedagogia: a margem faz parte do rio” (Editora Porto de Ideias, 2017).

Slenka Leandra Botello Gil

Maestra en Estudios de Arte por la Universidad Iberoamericana Ciudad de México, e Historiadora colombiana. Docente de Historia del Arte del programa de Artes Visuales de la Universidad Nacional Abierta y a Distancia UNAD, en Bogotá desde 2017. Líder del Semillero de investigación en Artes Visuales SINAV. Becaria de investigación en la Universidad Iberoamericana (2014 – 2016) y ganadora del Premio IBERO-FICSAC a la Calidad en la Investigación (2016). Investigadora vinculada a los grupos de investigación colombianos “Intersecciones digitales” (Artes visuales) y “Prácticas culturales, imaginarios y representaciones” (Historia cultural).  Sus temas de interés investigativo giran en torno a la historia cultural del cuerpo deforme, monstruoso y marginal en la modernidad temprana, el uso de la imagen como fuente para la historia y la investigación-creación como metodología de producción en las artes. Fue conferencista invitada por la Universidad de Montana, Estados Unidos en otoño de 2018. En su carrera ha participado en más de diez eventos académicos nacionales e internacionales como ponente. Experiencia como gestora de proyectos en la Universidad Iberoamericana Ciudad de México (2016), y en educación en museos como mediadora y tallerista en museos de Bogotá. 

Uryan Lozano

Uryan Lozano (Edo Méx, 1989). Artista, educador y comunicólogo visual egresado de Diseño y Comunicación Visual de la Facultad de Artes y Diseño de la UNAM, con estudios en gestión cultural y artes performativas por el INBA. Es miembro cofundador de Taller Transversal Mx y director de Raíz y Aliento AC, plataforma de vinculación artística interdisciplinaria con grupos vulnerables. En 2017 presentó la ponencia “La transversalidad del dibujo en el cuerpo, el habitar y el espacio público” en el XIII Simposio Internacional de posgrado en Artes y Diseño. Ha sido coautor y docente de proyectos cuyo eje es el dibujo participativo para interelacionar el cuerpo, la urbe y el medioambiente. En 2015: Intersticios Corpóreos (Mextrópoli); en 2016: La granja de chopos (Facultad de Arquitectura UNAM) y Ofrendarse (Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca); en 2017: Aquí la memoria se abre al viento (PECDA CDMX); en 2018: Nuestro cuerpo, un árbol (FFyL BUAP); Mapa para la vida después de la catástrofe (Bienal XVIII de Fotografía); en 2019: Tláhuac, memoria del Agua, proyecto de preservación biocultural en el Valle de México. Su obra ha sido exhibida en Reino Unido, Birsbane, Australia, España y Latinoamérica.

Verónica Arista Trejo

Verónica Arista Trejo, tiene estudios en Derecho por la UAM, es egresada de la Escuela Normal Superior de México y con estudios de Maestría en la Universidad Pedagógica Nacional. Docente frente a grupo en Educación Secundaria. Ha participado como especialista en currículo en los procesos de reforma educativa en 2006, 2009, 2011 y 2017. Coordinó la actualización de contenidos de los Libros de Texto Gratuito de cuarto a sexto grados de Historia.  Tiene publicaciones en revistas especializadas a nivel nacional como internacional en textos y revistas impresas y electrónicas, por ejemplo, Fondo de Cultura Económica/Academia Mexicana de la Historia, Pálido de Luz. UPN-Unidad 095, entre otros.

Se ha desempeñado como Subdirectora de Fomento a la Evaluación Curricular, en la Dirección General de Desarrollo Curricular y como parte del equipo de especialistas que participan en la red los Diálogos Técnico-Regionales de las Reformas Educativas en América Latina del Instituto Internacional de Planeamiento de la Educación (IIPE) de la UNESCO BUENOS AIRES.

Vinicius Nonato Campos de Souza

Graduado em Letras Português/Espanhol – Bacharelado/Licenciatura pela Universidade Federal de São Paulo (Unifesp). Durante a graduação cumpriu diversas tarefas: monitoria em literatura espanhola; curso de leitura de textos literários em espanhol; diagramador/pesquisador do periódico Altavoz; e clubes de leitura. Como projeto de iniciação científica publicou o artigo Médicos cubanos no Brasil: contexto multilingue na Amazônia presente no livro coletivo Mais amor, seu doutor: Os médicos cubanos entre nós. 

Na produção do livro bilíngue guarani/português Nhande Mbaraete – Fortalecimento da História Guarani – Ti Jaraguá de autoria Guarani Mbya fez parte da equipe de organização.
Com o grupo artístico Duplalêlê participou de atividades de mediação de leitura e contação de histórias (músico) com o foco na literatura indígena, africana e afrobrasileira. Realiza também um trabalho musical relacionado a diáspora negra na América Latina. A sua música/poema mais conhecida tem o título “Negro Soy” inspirada no texto “Gritaram-me negra” da poeta e coreógrafa afro-peruana Victoria Santa Cruz. 

Atua como arte-educador em exposições de arte em instituições culturais desde 2012 e atualmente é educador patrimonial bilíngue no Museu da Cidade de São Paulo.